redazione

Recensione

Una regia ispirata e la presenza scenica di Bruni Tedeschi per un film sul dubbio e sul fallimento.

Sul finire della prima guerra mondiale, la “divina” Eleonora Duse è una star del teatro che manca dalle scene da quasi un decennio. La fine del conflitto e un ritrovato stato di salute, oltre alle difficoltà economiche, la spingono a rimettersi in gioco recitando Ibsen assieme alla sua troupe. Ma il mondo sta cambiando, per le strade le camicie nere picchiano, e l’orrore della guerra deve ancora essere metabolizzato. Spinta dalle parole di Sarah Bernhardt, la Duse prova allora a intercettare il nuovo che avanza affidandosi a Giacomino, aspirante autore senza esperienza. Lo spettacolo è un fallimento e metterà in crisi l’attrice, che tornerà ad avvicinarsi al “suo” D’Annunzio mentre la figlia Enrichetta continua a sentirsi trascurata da una madre che si consacra all’arte e alla recitazione.

Pietro Marcello torna dopo la parentesi delicatamente fiabesca de Le vele scarlatte con un ritratto immaginato e finale della leggendaria Eleonora Duse, riprendendo il filo del dialogo con l’acclamato Martin Eden.

La Duse di Valeria Bruni Tedeschi è una forza spiritata che non vuole arrendersi all’obsolescenza, “donna del mare” ibseniana in un mondo ancora gravato dalle ferite molto terrene della guerra.

Anche Martin Eden del resto era uomo del mare, e dalla relazione tra un film e l’altro Marcello può trarre uno studio per contrasti sul Novecento italiano, periodo che evidentemente gli sta a cuore: Napoli da una parte, Venezia dall’altra, e soprattutto il passaggio da un’epopea di costruzione del sé, in perenne divenire, alla tragedia di chi pur nella grandezza è già stata ciò che è stata, e non sembra in grado di intercettare il futuro.

Mentre un viaggio in treno, lento e inesorabile, unisce il paese nel trasporto del Milite Ignoto (e nell’uso dei materiali d’archivio restituisce al regista la sua cifra stilistica più celebre, anche se stavolta più in sordina), la Duse procede a strappi, torna sui suoi passi, percepisce una fine ma cerca di esorcizzarla con mille nuovi inizi; la mia anima, dice, “è la traversata”. La presenza scenica di Valeria Bruni Tedeschi, impossibile da intrappolare in un ruolo che non sia il suo, viene saggiamente liberata dentro il recinto fantastico di una diva inconoscibile e perciò tutta da inventare.

È una prova attoriale feroce e bambinesca al tempo stesso, dal carattere respingente ma piena di momenti memorabili. Nella parte iniziale dà sfoggio del suo potere, estraendo teatro dai suoi attori attraverso il famoso metodo pre-Stanislavskij, o riservando alla macchina da presa uno sguardo deliziosamente manipolatorio sotto al trucco di scena sfatto sul volto, perché non le si dica mai e poi mai che “è troppo tardi”. Quando le certezze vengono meno emergono invece le sfumature più crudeli e patetiche, e forse finalmente consapevoli, che culminano in un’interpretazione casalinga e fin troppo trascendente di Mangiafuoco.

Se Martin Eden era disegnato a tratto ampio, e animato da un protagonista capace di ingoiare il secolo nell’arco di una falcata, con Duse Marcello realizza un film più sottile sul dubbio e sul fallimento, catturando un breve momento storico in cui i personaggi sono paralizzati dal non saper decifrare il presente. Il suo è un controcampo sugli albori del fascismo (in questo fa un interessante tutt’uno con la contemporanea serie M – Il figlio del secolo) dal punto di vista di un mondo dell’arte che d’improvviso non ha più le risposte. Il lavoro sulle scenografie e sui costumi – e su come essi si trasformano – illustra il punto ancor più chiaramente di quanto possa fare Sarah Bernhardt nella fulminante comparsata di Noémie Lvovsky.

La regia di Pietro Marcello è ricca di trovate ispirate, fotografate nei toni freddi del blu in una Venezia desolata ed eterea. Mentre si moltiplicano le immagini che richiamano alla cecità e a uno sguardo offuscato, nella seconda parte si fa strada un palpabile senso di imbarazzo per una protagonista che si vende a Mussolini dopo aver “bruciato” Ibsen e lo stesso D’Annunzio (il sempre notevole Fausto Russo Alesi in un’interpretazione estrema, che non si fa schiacciare dagli eccessi di Valeria Bruni Tedeschi) sull’altare di un’incrollabile devozione – alla propria storia, al teatro, o forse all’idea di poter rimanere avanti al tempo.

Tommaso Tocci – www.mymovies.it

Recensione

Non c’è nulla di rivoluzionario o memorabile, eppure, sposando uno stile semplice e delicato e concentrandosi sulle reazioni emotive, riesce con leggerezza e sincerità a toccare le corde giuste.

Il nono lungometraggio del regista spagnolo Cesc Gay è una piacevole commedia romantica, sicuramente senza troppe pretese ma, al contempo, capace di descrivere con semplicità e misura un tema raramente sviluppato con la giusta delicatezza.

Al centro del racconto c’è Eva (Nora Navas), una donna di quasi cinquant’anni, sposata da oltre venti e madre di due figli adolescenti, Cris e Dani. Si rende conto che il matrimonio con suo marito Victor (Juan Diego Botto) è ormai arrivato al capolinea ed è decisa a riscoprire l’amore prima che sia troppo tardi. Durante un viaggio di lavoro a Roma, incontra Alex, un affascinante scrittore argentino (Rodrigo de la Serna). Tra i due scatta subito una profonda intesa che, pur restando su un piano elettivo, spinge Eva a prendere coscienza della necessità di separarsi dal marito. Tornata a Barcellona, inizia così una nuova vita da single, aperta alla seduzione e al romanticismo, ma anche a mille equivoci e cocenti delusioni.  Su di lei si abbatte subito la reprimenda sociale. Amici e conoscenti vivono con stupore generale la sua decisione. C’è chi le dice che la vita non è complicata ma un compromesso. C’è chi pensa che sia il marito ad averla tradita e chi la sprona a “rimettersi in carreggiata”, con un nuovo appuntamento. Eppure, ancora una volta, sarà il caso a bussare nuovamente alla porta.

Il regista di Truman (2015), insieme ad Eduard Sola, firma una più che discreta sceneggiatura, rifiutando qualsiasi tipo di eccesso o retorica, sposando uno stile semplice e delicato, concentrandosi sulle reazioni emotive dei personaggi. Ricorre spesso il tema, di evidente matrice alla Woody Allen, del caso come agente invisibile governatore delle nostre vite. Ma, ciò che resta davvero impresso è la delicatezza con cui viene raccontata la fragilità dei sentimenti e la goffaggine con cui si affrontano le relazioni umane. Non c’è nulla di rivoluzionario o memorabile, eppure l’opera di Cesc Gay riesce con leggerezza, sincerità e ironia a toccare le corde giuste

Giorgio Amadori – www.sentieriselvaggi.it

Recensione

Un road movie che riesce a raccontare un’Italia vera con una sua energia lenta e sul finale commovente.

Doriano, detto Dori, e Carlobianchi (sì, tutto attaccato) sono amici di bevute, in un Veneto rurale che pare quasi il Far West. Il loro obiettivo nella vita è sfondarsi di lumache e polenta e andare a bere l’ultima ombra di vino: “una voglia che va al di là della sete”. Hanno scoperto il segreto del mondo, ma da sobri non se lo ricordano, e credono alla leggenda metropolitana secondo cui il loro storico amico Genio, “il più premiato vincitore del Caliera Trophy”, ha nascosto da qualche parte un tesoretto ricavato dalla vendita di frodo di occhiali dal sole. Per questo, e perché gli vogliono bene, devono andare a prenderlo all’arrivo dall’Argentina, dove si era rifugiato in attesa della prescrizione per i sui reati. Lungo il loro percorso incontrano Giulio, studente di Architettura timido e insicuro, che si unisce al loro viaggio e impara a vivere alla giornata – ma non senza una missione temporanea – come fanno Dori e Carlobianchi da sempre.

Le città di pianura è l’opera seconda del regista e sceneggiatore (qui con Adriano Candiago) Francesco Sossai: un road movie sbullonato con per improbabili protagonisti due cinquantenni che rimpiangono gli anni Novanta, in un Veneto che sta per essere attraversato (per meglio dire sventrato) dall’autostrada Lisbona-Treviso-Budapest, e in cui gli operai vengono sfruttati per tutta la vita e congedati con estrema ipocrisia.

Il film ha il ritmo lento e girovago di una ballata country, i cui protagonisti sono contrari a Google Maps e preferiscono disegnarsi il percorso sui foglietti di carta: ma per Giulio, ventenne contemporaneo, diventano personaggi mitologici che hanno capito tutto della vita. La Divina Provvidenza assiste il trio scombinato e lo porta a vivere un’avventura picaresca che non dimenticheranno.

Sergio Romano e Pierpaolo Capovilla sono perfetti nei ruoli di Carlobianchi e Doriano, e le loro facce “non da cinema” (ma di consumata esperienza teatrale il primo, musicale il secondo) reggono perfettamente anche i primissimi piani, mentre Filippo Scotti (Giulio) si conferma attore di rara profondità emotiva ed espressiva, capace di fare molto con pochissimo. La musica dei Krano asseconda il mood on the road come una canzone folk di Woody Guthrie.

Il film di Sossai sembra un “indie” americano anni Settanta, ma gli ambienti sono profondamente italiani, così come sono riconoscibilmente reali i due protagonisti che appartengono non al loro “territorio”, ma proprio alla loro terra – quella “parola che nessuno usa più”.

Le città di pianura descrive “un paesaggio immaginario che non esiste”, si infila in un non-luogo che pare il Giappone, eppure riesce a raccontare un’Italia vera, lontana dai riflettori e dai set delle commedie mutuate dall’estero. Il film di Sossai trova una sua energia laconica che cresce lentamente e alla fine commuove, perché forse il segreto del mondo – o almeno di una vita alternativa a quella frenetica e arrivista di oggi – Dori e Carlobianchi l’hanno scoperto davvero.

Paola Casella – www.mymovies.it

Recensione

La Riunione di Condominio: quando il cinema ci mette davanti ai nostri pregiudizi.

Dal 11 settembre 2025 arriva nelle sale italiane La Riunione di Condominio, il nuovo film diretto da Santiago Requejo e distribuito da BIM Distribuzione. Una commedia drammatica che prende il via da una situazione quotidiana e apparentemente banale – una classica assemblea condominiale a Madrid – per trasformarsi in un ritratto lucido delle nostre paure più profonde e dei pregiudizi che spesso fatichiamo ad ammettere, anche a noi stessi.

Un ascensore, un annuncio e il crollo delle certezze
La trama sembra partire da un dettaglio insignificante: la sostituzione dell’ascensore in un palazzo madrileno. Una discussione di ordinaria amministrazione, destinata a concludersi rapidamente. Ma l’atmosfera cambia radicalmente quando un condomino comunica che uno degli appartamenti verrà assegnato a un nuovo inquilino con problemi di salute mentale. Quello che avrebbe potuto essere un confronto civile si trasforma in un incubo da assemblea: rancori sopiti riaffiorano, le maschere della convivenza pacifica cadono e il dibattito si fa feroce. Paure, ipocrisie e contraddizioni emergono con forza, rivelando come anche chi si proclama “tollerante” spesso inciampi di fronte alla diversità.

Dal corto “Votemos” al grande schermo
Il film nasce dall’ampliamento del cortometraggio Votemos, già premiato e apprezzato per la sua capacità di condensare in pochi minuti la tensione di un conflitto che appartiene alla nostra società. Con La Riunione di Condominio, Requejo espande quella premessa, trasformandola in un’opera corale che unisce commedia e dramma in un unico flusso narrativo.

Un cast d’eccezione per un microcosmo umano
Il palcoscenico è il condominio stesso, un microcosmo che diventa specchio dell’umanità. A dare vita ai personaggi troviamo Raúl Fernández de Pablo, Clara Lago, Tito Valverde, affiancati da Gonzalo de Castro, Neus Sanz, Christian Checa, Charo Reina e Pepe Carrasco. Ognuno di loro incarna un volto diverso del pregiudizio, della paura o, al contrario, del coraggio di accogliere. La regia di Requejo sceglie il tono della commedia sociale, senza però rinunciare a momenti di forte tensione emotiva, trasformando l’assemblea in un’arena dove si combatte non solo per un voto, ma per una visione del mondo.

Convivenza e inclusione: un tema più attuale che mai
La Riunione di Condominio è molto più di un film: è uno specchio puntato sulle nostre fragilità collettive. In un’epoca in cui si parla tanto di inclusione e diritti, Requejo ci ricorda quanto sia difficile abbattere realmente i muri dei pregiudizi. Lo fa senza prediche, ma con la forza del quotidiano, mettendo lo spettatore davanti a dinamiche che potrebbero accadere nel palazzo accanto al nostro.Con i suoi 88 minuti di durata, il film riesce a bilanciare ironia e dramma, regalando momenti che fanno sorridere ma anche riflettere, in un crescendo che non lascia indifferenti.

Una storia semplice, un messaggio universale
Il grande pregio di questo film è la sua semplicità: niente effetti speciali, niente scenari epici. Solo una sala condominiale, qualche sedia e un gruppo di vicini. Eppure, in quello spazio ristretto, La Riunione di Condominio mette in scena l’eterno conflitto tra paura e accoglienza, tra egoismo e solidarietà. Un piccolo teatro umano che diventa, inevitabilmente, specchio della società contemporanea.

Enrico Ruocco – https://www.corrierenerd.it

Recensione

Se seguite il mondo dell’animazione, il piccolo “giallo” che circonda Elio della Pixar dovrebbe essere entrato nei vostri radar: il film sarebbe dovuto uscire nella primavera del 2024, ma lo vedremo al cinema solo tra poco, dal 18 giugno. Il primo teaser che fu diffuso nel 2023 aveva un sapore diverso dagli ultimi trailer, e nel frattempo per ultimare il lungometraggio sono state affiancate due registe all’autore originale Adrian Molina, già coregista di Coco. Cosa sta succedendo dietro le quinte a Elio? Qualcosa che tempo addietro è in realtà capitata altre volte alla Pixar, ma con la diffidenza che ultimamente accoglie i lavori della casa, sono inciampi che pesano psicologicamente di più.

Elio della Pixar, vedremo al cinema la sua “versione 2.0”

Elio racconta di un ragazzino undicenne che sogna di essere rapito dagli alieni: detto fatto, perché parte per un’avventura attraverso l’universo, mentre diventa amico di una bizzarra creatura (a occhio un suo coetaneo) di nome Glordon, e mentre sua zia Olga – una militare – cerca di venire a capo della sua incredibile capacità di mettersi nei guai. Anche prima che World of Reel pubblicasse un suo dietro le quinte della lavorazione, citando fonti anonime, se ricordate l’anno scorso ex-dipendenti Pixar avevano discusso del clima difficile allo studio: dall’ansia per l’esito (poi fortunatamente trionfale) di Inside Out 2 alla “revisione” in corso proprio di Elio.

Corre voce – e si vede, confrontando il nuovo trailer in alto col primo in basso – che Elio abbia subito un’iniezione di vivacità, spostando il lungometraggio dalla regia di Adrian Molina a quella di Domee Shi (Red) e Madeline Sharafian (già storyboard artist su Red e Onward), pur mantenendo il primo accreditato. Nella vociferata “versione 1.0” dell’opera mancava il buffo Glordon, mentre nella “2.0” alle voci americane Zoe Saldana ha preso il posto di America Ferrera, nei panni della zia Olga. Sembra che la sceneggiatura e gran parte del film siano state rimaneggiate così tanto, da far lievitare il budget totale del progetto a 300 milioni di dollari (!), non si sa quanto facilmente recuperabili in sala: si tratta pur sempre di un soggetto originale, non di un marchio riconoscibile che attira al cinema il pubblico già affezionato.

Un simile percorso accidentato fu seguito da Il viaggio di Arlo, giunto in sala nel 2015 per la regia di Pete Sohn, che rivoltò il film come un calzino, sostituendo il dimissionario Bob Peterson. Anche per Cars 2 si raccontò che John Lasseter avesse avuto ripensamenti pesanti quando il lavoro era praticamente ultimato, costringendo lo studio a straordinari massacranti per rispettarne la data d’uscita. Ci furono tensioni anche per Ribelle – The Brave, quando una riluttante Brenda Chapman fu spinta a passare il timone a Mark Andrews. Persino Ratatouille non partì come progetto di Brad Bird, bensì di Jan Pinkawa. Non sempre questi problemi si sono riflessi in una performance difficile al boxoffice, per cui attendiamo per capire esattamente cosa ci troveremo di fronte tra un mese.

Domenico Misciagna – www.comingsoon.it

Recensione

Un film accurato e quasi documentaristico sulla vera storia di Zahia Ziouani.

1995, sobborghi di Parigi. Zahia, 17 anni, sogna di diventare direttrice d’orchestra, mentre sua sorella gemella Fettouma è già un’affermata violoncellista. Cresciute immerse nella musica classica, entrambe desiderano condividerla con tutti, rendendola accessibile a chiunque, ovunque. Ma il loro sogno si scontra con le difficoltà di essere giovani donne di origine algerina ai margini della società. Da questa determinazione nasce “Divertimento”, un’orchestra che vuole abbattere ogni barriera e offrire a tutti l’opportunità di fare musica.

Ispirato alla storia di Zahia Ziouani, direttrice d’orchestra francese, Divertimento ripercorre con accuratezza quasi documentaria gli anni in cui la giovane coltiva il suo talento.

Con la sorella gemella violoncellista Fettouma, a 17 anni, viene infatti accettata alla prestigiosa scuola parigina Lycée Racine che ospita il fior fiore degli aspiranti musicisti, a volte dei veri talenti ma più spesso dei “figli di”. Mentre le due sorelle e il fratello vivono con il padre e la madre algerini in una banlieue a mezz’ora da Parigi (quando va bene e non ci sono manifestazioni e proteste nella Capitale). La sceneggiatura, scritta dalla stessa regista con Clara Bourreau, si sofferma molto sul racconto di questa diversità di provenienza che, nella scuola parigina di musica frequentata dalla classe medio-alta, trova il suo apice. Zahia, che aspira a diventare direttrice d’orchestra, trova subito un forte ostracismo nella sua classe che aveva già un compagno quasi predestinato a quella carriera in gran parte maschile.

Ma la ragazza ha dalla sua parte l’insegnante di musica che vede in lei un grande talento e la mette in competizione con il compagno. I contrasti tra le due parti della classe, i commenti malevoli, gli ammutinamenti dei musicisti sono però resi in maniera un po’ piatta sia dai dialoghi che dalla regia sempre molto attenta a non calcare mai la mano nella messa in scena degli aspetti più (melo)drammatici tipici invece, per intenderci, di un biopic all’americana. L’empatia dello spettatore con la sua eroina è però messa a dura prova da questa mancanza di profondità drammatica che, se da un lato, è vero, spesso rischia di risultare un furbo espediente narrativo, qui è proprio azzerata anche perché non c’è mai un vero confronto o scontro, magari ideologico o classista, tra i ragazzi.

Così come nel preciso racconto della famiglia algerina di lei, con il padre che accompagna le due figlie nella passione musicale e quasi dimentica il figlio maschio, alla fine non c’è una reale interazione con la sorella violoncellista. Anche qui la sceneggiatura sceglie di non creare un asse narrativo drammatico su loro due, magari sulle fatiche dei loro studi, sulla solidarietà nei momenti più difficili, lasciando agli sguardi, agli abbracci, ai non detti (la protagonista compulsa i suoi spartiti preferiti alla luce di una torcia sotto le lenzuola per non disturbare il sonno della sorella), più che alle parole, il racconto della loro sorellanza.

Quasi come contraltare a questa asciuttezza narrativa è invece tutta la lunga parte in cui Zahia entra nelle grazie del famoso direttore d’orchestra e compositore Sergiu Celibidache (ultimo film del grande attore francese Niels Arestrup) che cerca di formarla come direttrice d’orchestra con la tipica severità dei maestri. Il film scivola così tra lunghe chiacchierate tra i due e interi saggi di prova d’orchestra (la regista, che ha affidato la direzione musicale alle due ‘vere’ sorelle, dice di aver avuto in mente l’omonimo film di Fellini) che, seppur filologicamente impeccabili, non riescono a essere travolgenti per tutti gli spettatori per via di una messa in scena priva di originalità. A colmare questa distanza ci pensa la grande interpretazione di Oulaya Amamra che sa dare alla protagonista la giusta dose di determinazione ostinata alla stregua di Lina El Arabi nel ruolo della sorella che purtroppo, per scelta narrativa, non è determinante.

Grazie anche a loro la regia riesce a costruire momenti inventivi improvvisi come quando la protagonista si trova a isolare con l’ascolto suoni non strettamente musicali prodotti, ad esempio, dall’arrivo della metropolitana, dal sibilare del vento tra le foglie o, ancora, dallo sbattere delle uova… Meno felice la sequenza ripetuta in cui la protagonista che, non trova un’orchestra da dirigere, fa i movimenti di direttrice d’orchestra di notte sulla terrazza del suo palazzo con in lontananza la Capitale. Per sottolineare, ancora una volta e in maniera un po’ didascalica, la distanza della periferia dal centro con la conseguente differenza di classe che viene colmata dal valore universale della musica.

Pedro Armocida – www.mymovies.it