INGRESSO AD OFFERTA LIBERA

Proiezioni

Mercoledì 7 giugno: ore 21,00
Venerdì 9 giugno: ore 21,00
Sabato 10 giugno: ore 21,00
Domenica 11 giugno: ore 17,30 – 21,00
(CINEMA IN FESTA – Prezzo unico  3,50)
Mercoledì 14 giugno: ore 21,00
(CINEMA IN FESTA – Prezzo unico  3,50)

Titolo originale: The Little Mermaid
Nazione: U.S.A.
Anno: 2023
Genere: Avventura, fantasy, musicale
Durata: 135 min
Regia: Rob Marshall
Cast: Halle Bailey, Jonah Hauer-King, Daveed Diggs, Jacob Tremblay, Melissa McCarthy, Javier Bardem, Awkwafina, Jude Akuwudike, Noma Dumezweni, Kajsa Mohammar, Lorena Andrea
Produzione: Lucamar Productions, Marc Platt Productions, Walt Disney Pictures, 5000 Broadway Productions
Distribuzione: Walt Disney Italia

Trama

Recensione

Rob Marshall riporta sul grande schermo un classico del mondo Disney, la Sirenetta (1989), e lo definisce il “film più impegnativo che abbia mai girato”. E detto dal regista di Chicago (2002), Nine (2009) e Pirati dei Caraibi – Oltre i confini del mare (2011), non è affatto cosa da poco. “Non penso che qualcuno abbia mai fatto un musical sott’acqua prima d’ora. È stato necessario coreografare con largo anticipo ogni singola parte del film. Le attrezzature con cui abbiamo lavorato sono incredibili. Grazie a Dio abbiamo avuto tempo per fare delle prove” – ha spiegato. Ci sono voluti quasi cinque anni per realizzare il live-action, con l’utilizzo di tecniche complesse e strumenti all’avanguardia, come le diapason e le altalene. Anche la fase di post-produzione non è stata affatto facile, perché tutto doveva risultare credibile.

Halle Bailey è Ariel, al centro di numerose polemiche perché secondo i fan più fedeli il suo personaggio non rispecchierebbe quello del film originale. L’attrice, una volta uscito il trailer, ha rivelato che non era stupita di leggere commenti negativi: “Da persona nera, te li aspetti semplicemente. Non è neanche più uno shock. In tutta onestà, quando è uscito il primo teaser, ero alla D23 Expo ed ero incredibilmente felice. Non ho visto tutta questa negatività”. Al di là delle critiche, il ruolo l’ha resa particolarmente felice perché la star ha potuto conciliare le sue due più grandi passioni: il canto e la recitazione. E il suo entusiasmo si è tradotto in commozione subito dopo aver visto alcune scene montate: “Ho pianto per tutto il tempo. È stato molto strano guardarmi. Mi emoziono solo a pensarci” – ha aggiunto. Completano il cast del film Melissa McCarthy (Ursula), Daveed Diggs (Sebastian), Jonah Hauer-King (Eric) e Javier Bardem (Re Tritone).

La colonna sonora ripropone i brani del classico Disney, e si impreziosisce di alcuni inediti composti appositamente da Alan Menken e da Lin-Manuel Miranda (quest’ultimo ha già lavorato con Marshall ne Il ritorno di Mary Poppins).

Non penso che qualcuno abbia mai fatto un musical sott’acqua prima d’ora. È stato necessario coreografare con largo anticipo ogni singola parte del film (Rob Marshall).

www.comingsoon.it

Curiosità

È il remake in live-action de La Sirenetta (1989).

Le riprese esterne, ovvero quelle “fuori dall’acqua”, si sono svolte in Italia.

Durante le riprese, Halle Bailey ha trascorso fino a 13 ore al giorno in acqua.

L’attrice protagonista ha rivelato che l’interpretazione di Ariel l’ha aiutata a crescere, perché si è messa alla prova come mai fatto prima.

Il film introduce nuovi personaggi originali, non presenti ne La sirenetta del 1989, tra questi spicca la regina Selina, interpretata da Noma Dumezweni.

A differenza del film d’animazione, Sebastian ha il numero corretto di gambe, ovvero 10 (incluse due chele); il Sebastian animato, invece, ne aveva 8 (incluse le chele), perché all’epoca era molto più facile da animare.

Focus su La Sirenetta

Era il 1994 quando per la prima volta un cartone animato della Disney veniva trasformato in un live action: si tratta di Mowgli – Il libro della giungla, diretto da Stephen Sommers e interpretato da Jason Scott Lee. Due anni dopo esce un altro grande classico, La carica dei 101 – Questa volta la magia è vera (1996) di Stephen Herek, con un cast d’eccellenza: Glenn Close nei panni di Crudelia, Jeff Daniels e Joely Richardson nei ruoli di Rudy e Anita, con Joan Plowright nella parte di Nilla. Sebbene ci sia stata inizialmente qualche ostilità nel confronto con l’originale, la pellicola può essere considerata il remake di maggior successo di sempre. Per questo nel 2000 viene realizzato il sequel, La carica dei 102 – Un nuovo colpo di coda, diretto da Kevin Lima con l’aggiunta tra gli attori di Gérard Depardieu.

Nel 2010 è la volta di Alice in Wonderland, per la regia di Tim Burton, che nel 2019 realizza anche Dumbo, con Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito ed Eva Green. In quello stesso anno escono nelle sale Aladdin di Guy Ritchie, Il re leone di Jon Favreau, e Maleficent – Signora del male di Joachim Rønning. Recentissimi sono Mulan (2020) di Niki Caro, Crudelia (2021) di Craig Gillespi e Pinocchio (2022) di Robert Zemeckis. Dopo La Sirenetta (2023) diretto da Rob Marshall, sono previsti altri riadattamenti, tra cui Peter pan, Biancaneve e Mufasa.

Proiezioni

Venerdì 16 giugno: ore 21,00
(CINEMA REVOLUTION – Prezzo unico  3,50)
Sabato 17 giugno: ore 21,00
(CINEMA REVOLUTION – Prezzo unico  3,50)
Domenica 18 giugno: ore 18,30 – 21,00
(CINEMA REVOLUTION – Prezzo unico  3,50)

 Titolo originale: Denti da squalo

Nazione: Italia
Anno: 2023
Genere: Drammatico
Durata: 104 min
Regia: Davide Gentile
Cast: Tiziano Menichelli, Stefano Rossi Giordani, Virginia Raffaele, Edoardo Pesce
Produzione: Goon Films, Lucky Red, Ideacinema con Rai Cinema, in collaborazione con Prime Video.
Distribuzione: Lucky Red

Trama

Recensione

Denti da squalo: la recensione di un’opera prima convincente ed emozionante

Arriva al cinema l’8 giugno Denti da squalo, convincente storia di maturazione firmata alla regia da Davide Gentile al suo debutto e interpretata da un giovanissimo e intenso protagonista, ben coadiuvato da un bel cast. La recensione di Daniela Catelli.

Un’estate avventurosa, gli amici ed un evento memorabile – traumatico o meno – che cambia per sempre la vita facendo crescere il protagonista: sono questi gli elementi alla base di molte storie di formazione americane, un genere poco praticato da noi ma declinato in maniera egregia e originale da Denti da squalo, bella opera prima di Davide Gentile, sulla scorta di una sceneggiatura premio Solinas di Valerio Cilio e Gianluca Leoncini, a lungo rimasta chiusa in un cassetto e per fortuna recuperata, grazie anche alla collaborazione con Gabriele Mainetti, produttore artistico del progetto nonché coautore della bella colonna sonora.

Il film racconta la lunga estate di Walter, un tredicenne orfano di padre, un ex criminale che ha abbandonato la sua vita precedente ed è morto in un depuratore per salvare la vita di un collega. Siamo al mare, dove questo ragazzino che sembra più piccolo della sua età, pieno di rabbia, fissa l’acqua imbronciato e vestito, tra coetanei nuotanti e vocianti, in conflitto con la madre che, distrutta dal dolore, cerca di stargli vicino ma non riesce a dargli le risposte che cerca. E’ così che Walter si introduce nella villa immensa e sinistra del Corsaro, dove scopre uno squalo nella gigantesca piscina, una torre con un sotterraneo che ha assistito a fatti di sangue, e trova nel parco un ragazzo di poco più grande, Carlo, che dice di esserne il custode e lo introduce in un piccolo mondo criminale, che a Walter sembra l’unico modo per accogliere l’eredità paterna, rifiutandone il ravvedimento che considera responsabile della sua morte.

Potrebbe risolversi tutto in una semplice e in fondo scontata storia di educazione criminale, nata dalla ribellione di un bambino divorato dalla voglia di crescere e capire, che trova nell’emulazione dei comportamenti coatti e sopraffattori dei grandi la propria rivalsa sul mondo. Ma Denti da squalo è un piccolo film a più strati, tutt’altro che superficiale, nelle cui acque profonde nuotano sentimenti repressi e verità nascoste, un’Isola del Tesoro che è contemporaneamente l’Isolachenoncè, in cui il giovane protagonista trova sì i pirati, ma soprattutto riscopre Il bambino perduto che è dentro di lui. E tutto questo (e molto altro) il film lo fa senza strafare, con una leggerezza del tocco, sia in fase di scrittura che di regia e di recitazione, che riesce perfettamente a tenere in equilibrio le diverse anime e suggestioni di una storia che potrebbe accadere ovunque, dove ognuno potrà vedere e riconoscere i riferimenti cinematografici e non solo e soprattutto ritrovare l’adolescente ribelle che è stato (non lo siamo stati tutto, in fondo?).

Denti da squalo mette in scena il lutto, la perdita, la necessità di venire a patti con la sofferenza e il dolore che fanno a volte parte della vita, le leggende che ci aiutano a vivere e soprattutto la necessità di scegliere da che parte stare: se con il pescecane che mostra i denti (come si canta di Mackie Messer nell’Opera da tre soldi) o nel mare della trasparenza, dell’onestà, del gioco e della salvezza di chi è vittima e prigioniero. A contribuire alla riuscita di questo sorprendente e promettente debutto, condito di ironia e meraviglia, sono davvero tutti i reparti, dalla scelta delle suggestive location agli ottimi effetti speciali (non dubitiamo per un attimo che lo squalo sia vero) alle performance degli attori: Tiziano Menichelli, debuttante assoluto, ruba la scena e buca letteralmente lo schermo, sempre credibile e spontaneo, ben affiancato dal Carlo di Stefano Rosci e dagli adulti, Virginia Raffaele, brava nel ruolo per lei insolito di questa mamma amorosa e dolente e – in ruoli minori ma non meno importanti – Claudio Santamaria, proiezione di Walter della coscienza paterna, ed Edoardo Pesce, che aggiunge col cameo dell’irresistibile Corsaro un bellissimo ritratto alla sua galleria di minacciosi ma a volte anche amabili villain. Sui titoli di coda parte – una scelta logica ma che ci commuove ugualmente – una delle più belle canzoni del giovane Edoardo Bennato, “Quando sarai grande”, e anche se ancora oggi che lo siamo da un pezzo non sappiamo perché e le promesse dei grandi non si sono sempre avverate, scopriamo di nuovo con Walter come la vita sia un’avventura da vivere in una perenne estate dell’anima, senza sprecarla in recriminazioni e vendette.

Daniela Catelli – www.comingsoon.it

Proiezioni

Mercoledì 3 maggio: ore 21,00
Venerdì 5 maggio: ore 21,00
Sabato 6 aprile: ore 21,00
Domenica 7 aprile: ore 16,30 – 18,30 – 21,00
Mercoledì 10 maggio: ore 21,00

Titolo originale: Mon Crime
Nazione: Francia
Anno: 2023
Genere: Giallo, Commedia
Durata: 102 min
Regia: François Ozon
Cast: Nadia Tereszkiewicz, Rebecca Marder, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Dany Boon Grasmug, Calixte Broisin-Doutaz, Eric Feldman, Raphaël Thiery, Zoé Bruneau, Mounir Margoum
Produzione: Mandarin Cinéma
Distribuzione: Bim Distribuzione

Trama

Recensione

UNO SMAGLIANTE MANIFESTO FEMMINISTA, PIÙ SOVVERSIVO DI QUANTO LE SUE ‘BUONE MANIERE’ LASCINO INTENDERE.

Parigi, 1935. Madeleine Verdier, aspirante attrice convocata da un celebre produttore per un ruolo e poi aggredita, è accusata a torto del suo omicidio. Con la complicità di Pauline Mauléon, avvocato senza clienti che si incarica della sua difesa, si assume il crimine e accede alla gloria denunciando la misoginia della società e l’incompetenza della giustizia. Il tribunale diventa ‘teatro’ della sua performance. L’ingiustizia subita commuove l’opinione pubblico, il successo è immediato. Per Madeleine comincia una nuova vita, gli ingaggi piovono coi fiori e le proposte di matrimonio ma la vera colpevole bussa alla porta e reclama la sua parte…

Procedendo al ritmo di un film all’anno, François Ozon non smette di girare e di concimare i generi.

Soltanto ieri firmava Peter von Kant, evocazione impertinente del suo idolo, Rainer Werner Fassbinder, e otto mesi più tardi è di ritorno con una commedia che riconfigura il presente col sorriso aperto e la giusta dose di insolenza. Perché quella che avrebbe potuto essere una screwball comedy nostalgica dispiega, al contrario, una vitalità organica che ‘suona’ le note moderne delle protagoniste.

Con 8 donne e un mistero e Potiche – La bella statuina, Mon Crime – La colpevole sono io forma una sorta di trilogia ideale, inscrivendosi nella vena più popolare e leggera dell’autore. Un trittico scintillante che condivide lo stesso DNA e gli artifici della rappresentazione scenica, perché il teatro resta la sorgente d’ispirazione maggiore per Ozon, come se la teatralità gli permettesse di celebrare meglio il cinema. Ma Mon Crime è altrettanto ossessionato dalla storia del cinema e ritrova lo spirito delle commedie sofisticate dell’età dell’oro hollywoodiana. Una stagione glamour, sublimata tra gli altri da Ernst Lubitsch e Howard Hawks, dove i personaggi si affrontano a colpi di repliche e le donne portano volentieri i pantaloni.

Dopo aver ‘cantato’ la misoginia negli anni Cinquanta, con un vaudeville smisurato e barocco (8 donne e un mistero), dopo aver dato una lezione di femminismo sullo sfondo degli anni Settanta (Potiche), con una commedia ludica dai colori vintage, ribadisce la gioia insurrezionale di ‘eliminare’ la figura maschile abusante, o caricaturalmente maschile e arrogante, che nutre il suo cinema dagli esordi (Sitcom).

Comme d’habitude, Ozon va oltre il testo che lo ispira. Mentre le nostre eroine ‘prendono la parola’ (e la pistola), il film allude a una possibile deriva del potere femminile. Se in Potiche era l’avvento della ‘supermamma’, in Mon Crime è la possibilità di raggiungere un fine personale. Il femminismo ostentato non manca di ambiguità, l’emancipazione e la scalata sociale delle protagoniste passano di fatto per le bugie e la manipolazione. Perfidia intrigante di un film che dietro il divertissement e i virtuosismi verbali si rivela più sovversivo di quanto le sue ‘buone maniere’ lascino intendere.

La pièce de boulevard di Georges Berr e Louis Verneuil, scritta nel 1934 e aggiornata al 2023, ‘difende’ la necessità della violenza, qui estrema (l’omicidio come unico mezzo per proteggersi dagli uomini), e la riconquista del potere delle donne attraverso l’esercizio di questa violenza. L’aula di tribunale è un laboratorio di sperimentazione performativa per le protagoniste e per le loro interpreti che praticano la sorellanza e si divertono ad abbattere gli uomini e l’immagine che gli uomini hanno di loro.

Ma ancora più bella è la maniera generosa di Ozon di invitare due attrici in divenire, e tra le più promettenti della loro generazione, nello star system francese. Intorno a Nadia Tereszkiewicz (Forever Young), che incarna la ‘deliziosa’ colpevole che il pubblico, da convenzione, ama odiare, e Rebecca Marder (Une jeune fille qui va bien), novizia del foro che farà di lei un’icona femminista, ruotano come satelliti Fabrice Luchini, giudice conservatore che ha fretta di archiviare l’omicidio invece di chiarirlo, Dany Boon, affarista provenzale con accento di Marsiglia e baffo malandrino, e Isabelle Huppert, attrice del muto lanciata a pieno regime contro il privilegio maschile dominante.

In questo gioco di ruoli, di inganni e di massacro, la tentazione di mettere in competizione gli interpreti è grande ma è più appropriato constatare l’inarrestabile effetto comico che producono insieme generando un miracolo: la verità dietro tanto trucco.

Ancora una volta, Ozon fissa un punto di incontro tra un’attrice (senza tempo) e il suo personaggio. In Potiche Catherine Deneuve, star del passato che non smette di investire sul presente, è una creatura del futuro anteriore che modificherà la mentalità e la percezione delle donne in una società ancora patriarcale. In Mon Crime, Isabelle Huppert, che sullo schermo sembra ringiovanire con gli anni, incarna un’attrice obsoleta che pretende di rivalizzare con due giovani primizie. Anche questo fa di Mon Crime uno smagliante (e divertito) manifesto femminista.

Marzia Gandolfi – www.mymovies.it

MARTEDI’ 9 MAGGIO, alle ore 21, siamo lieti di ospitare la data zero di “80 volte Lucio”, tributo a Lucio Dalla ideato dal cantautore imolese Emil Spada.

Proiezioni

Venerdì 12 maggio: ore 21,00
Sabato 13 maggio: ore 21,00
Domenica 14 maggio: ore 16,30 – 18,30 – 21,00
Mercoledì 17 maggio: ore 21,00

Titolo originale: Dalva
Nazione: Francia, Belgio
Anno: 2022
Genere: Drammatico
Durata: 83 min
Regia: Emmanuelle Nicot
Cast: Zelda Samson, Alexis Manenti, Fanta Guirassi, Marie Denarnaud, Jean-Louis Coulloc’h
Produzione: Hélicotronc, Tripode Productions
Distribuzione: Teodora Film

Trama

Recensione

UNA VISIONE CORAGGIOSA E ORIGINALE SU UN TEMA DIFFICILE CON PROTAGONISTA UN’OTTIMA GIOVANE INTERPRETE

Dalva, quando viene prelevata dai Servizi sociali e portata contro la sua volontà in un centro per minori, ha 12 anni, vive da sola con il padre, che lei chiama Jacques, ha sempre studiato in casa senza avere contatti con i suoi coetanei, e si veste e si trucca come una donna adulta. Al centro di accoglienza si sente sola, e vittima di una grande ingiustizia. Ma a poco a poco diventa evidente che l’ingiustizia è quella perpetrata contro di lei dal padre che, dopo la separazione dalla moglie, ha fatto di Dalva la sua compagna. La ragazzina non conosce altro affetto, e sente terribilmente la mancanza di “Jacques”. Saranno l’amicizia con Samia, la compagna di stanza che le è stata affiancata, e l’aiuto dell’assistente sociale Jayden a donarle una nuova prospettiva sulla realtà e ad insegnarle come possa essere la vita a 12 anni, così come quale possa essere l’amore autentico di un genitore verso un figlio.

La regista e sceneggiatrice belga Emmanuelle Nicot, al suo esordio nel lungometraggio, sceglie di raccontare una storia di incesto allineandosi totalmente al punto di vista della giovane vittima, tanto che nella parte iniziale del racconto viviamo anche noi ciò che le succede come una sgradita ingerenza e un abuso.

Solo gradualmente, per il pubblico come per la ragazzina, la verità comincerà a farsi strada, e piano piano Dalva riuscirà a recuperare la sua preadolescenza. La cinepresa scava nel silenzio smarrito del suo volto che a poco a poco cambia di segno, utilizzando primi piani indagatori ma sempre rispettosi dell’intimità della protagonista – quella che nella storia è stata ampiamente violata.

Nicot riesce a raccontare una vicenda potenzialmente scabrosa senza alcun compiacimento o voyeurismo, e contemporaneamente senza alcuna pruderie o imposizione di giudizio: persino il padre, intravisto in pochi istanti, viene raffigurato nella sua fallibilità umana più che nella sua colpevolezza criminale, che pure è chiaramente identificata. In L’amore secondo Dalva la posizione morale della regista è netta, e resta inequivocabilmente dalla parte dell’innocenza perduta della protagonista, ma c’è anche il coraggio di mostrare chiaramente la dualità che una minorenne abusata può provare verso chi ha un ruolo unico nella sua vita e sostiene di volerle bene. In gioco c’è la lealtà che i figli provano istintivamente verso un genitore amorevole, anche nel modo più terribilmente sbagliato.

L’amore secondo Dalva è la storia di una riconquista, e infatti finisce quando la seconda parte della vita della ragazza sta per cominciare ufficialmente. Questa riconquista passa attraverso piccoli gesti e piccole scelte che finalmente appartengono all’età anagrafica della protagonista, invece che al teatro delle apparenze impostole dal padre. La giovanissima protagonista, l’esordiente Zelda Samson, porta sulle sue spalle tutta la narrazione, in un percorso dal buio alla luce.

E gradualmente la sua visione soggettiva, che era in realtà l’oggettivizzazione dello sguardo del padre, coincide con la sua individualità di soggetto in grado di decidere per se stessa. La cinepresa la (e ci) accompagna lungo questo percorso senza forzare la mano, con grande rispetto della dignità di questa vita giovane il cui percorso percettivo è stato deviato fin dall’infanzia.

Molto azzeccata anche la scelta di Alexis Maneti nel ruolo dell’assistente sociale Jayden, che segue il caso della ragazzina con partecipazione ma anche con un certo grado di ruvidezza perfettamente comprensibile dato il carico emotivo del mestiere che ha scelto, e anche Fanta Guirassy nella parte della compagna di stanza di Dalva, Samia, è una presenza fresca e convincente. A conti fatti L’amore secondo Dalva porta una visione coraggiosa e originale non sul tema dell’incesto ma sulle risorse che un essere umano può ritrovare per mettere in salvo la propria esistenza.

Paola Casella – www.mymovies.it

Proiezioni

Venerdì 19 maggio: ore 21,00
Sabato 20 maggio: ore 21,00
Domenica 21 maggio: ore 16,30 – 18,30 – 21,00

Titolo originale: La quattordicesima domenica del tempo ordinario
Nazione: Italia
Anno: 2023
Genere: Drammatico
Durata: 98 min
Regia: Pupi Avati
Cast: Camilla Ciraolo, Lodo Guenzi, Nick Russo, Edwige Fenech, Gabriele Lavia, Cesare Bocci, Massimo Lopez, Cesare Cremonini, Jacopo Rampini, Fabrizio Buompastore, Sydne Rome, Anna Safroncik, Patrizia Pellegrino, Pilar Abella, Vincenzo Failla
Produzione: Duea Film, Minerva Pictures con Vision Distribution in collaborazione con Sky
Distribuzione: Vision Distribution

Trama

Recensione

UNA SUMMA DEL CINEMA DI AVATI, INTRISO DI MUSICA, MALINCONIA E A CUI NON MANCA IL GUIZZO IRONICO DEL SUO AUTORE

Bologna oggi. Marzio incontra Samuele con cui negli anni ’70 aveva costituito il gruppo ‘I Leggenda’ con il sogno di sfondare nel mondo della musica e che aveva invece finito con il produrre un solo brano. I due vivono entrambi un momento difficile così come non facile aveva finito con il diventare il loro rapporto a causa di Sandra, che Marzio aveva sposato ma non aveva saputo comprendere fino in fondo. Sono passati 35 anni dalla quattordicesima domenica del tempo ordinario in cui si era celebrato il matrimonio. Ora tutti e tre si trovano dinanzi a una svolta della loro vita.

‘Il quarantatreesimo film del cinema avatiano’: questo potrebbe essere il titolo alternativo di un’opera che ha come spinta propulsiva il dono che alcuni Autori (e Avati indubbiamente lo è) scoprono di possedere interiormente raggiunta una fase avanzata della loro vita: il non dover essere costretti a dimostrare niente a nessuno.

Pupi Avati è sempre stato un uomo libero, lontano dagli ambienti ‘che contano’ nel mondo del cinema, ma ora lo è nel senso più ampio del termine. Lo aveva ulteriormente provato, ammesso che ce ne fosse bisogno, con i due film precedenti con il ritorno all’horror de Il signor diavolo e con un sogno accarezzato per vent’anni e finalmente realizzato, grazie a una rilettura al contempo classica ed originale: Dante rivisitato grazie a Boccaccio e mettendo la Divina Commedia sullo sfondo. Ora ci propone una summa del suo cinema mostrando in sottotraccia di avere condensato elementi che avrebbero potuto, se sviluppati ulteriormente, dare origine a una fiction di qualità come lo è stata Un matrimonio.

Perché da lì si torna a partire, da una data che dà il titolo al film e che è quella in cui lui si è sposato. Già il titolo costituisce una piccola provocazione. Non tanto per il dato biografico di cui sopra che, ovviamente, i più non conoscevano ma per quel ‘tempo ordinario’ di cui molti si devono essere chiesti in cosa consista non sapendo che è una modalità di datazione liturgica. Perché Avati è un cattolico praticante, distante anni luce dal bigottismo, che però non ha remore nell’affermarlo.

Quella data per il protagonista sembra segnare il raggiungimento del traguardo non rendendosi conto che invece costituisce l’inizio della corsa, con salite e discese, che sta alla base di un matrimonio. Ecco allora che diventa necessario, a Marzio come a Pupi, voltarsi indietro per cercare di capire cosa è accaduto, come sono stati messi in gioco e vissuti quei due stati fondamentali delle relazioni che sono l’amore e l’amicizia.

Come accade nel cinema di un autore che è rimasto un musicista nel profondo, la musica non è mai un elemento dello sfondo nei suoi film, un accompagnamento funzionale ma nulla di più. Qui l’unica canzone del duo viene riproposta in più di un’occasione e i malevoli potranno appiccicarle la definizione di ‘tormentone’. In effetti lo è ma con l’esclusione del ‘ne’ finale. Lo è per i tre protagonisti perché segna il punto più alto dell’unione così come quello del distacco.

Il personaggio di Sandra, accompagnato nelle diverse fasi della sua vita, mostra come Avati si sia, con il passare degli anni, allontanato da un cinema al maschile (con il gruppo degli attori fedeli) per scavare sempre più nell’animo e nelle esigenze delle sue protagoniste.

In un film in cui la morte (o il suo rischio) è presente in più occasioni, resta intatta l’esigenza di guardare avanti pur sapendo che alcuni difetti saranno sempre inemendabili. Insieme al bisogno di ottenere una risposta a domande che non si potranno mai porre se non in un’altra vita (se ci si crede) come quelle di Marzio al padre e di Pupi al suo, perso quando aveva 12 anni.

Al pessimismo della ragione Avati non rinuncia ma sa anche che questo può costituire un freno. Le stanze della vita possono tornare ad avere il colore giusto che integri in sé una molteplicità di attese e di progetti. Nonostante tutto. In un film intriso di malinconia in cui però non può mancare il guizzo ironico di Pupi. Edwige Fenech, come ha dovuto fare in tanto film degli anni ’70, va a fare una doccia. Non la si vede ma il getto dell’acqua dopo l’abluzione non si ferma. Lo ferma Marzio. Così come lo ha fermato Pupi offrendole questo ruolo.

Giancarlo Zappoli – www.mymovies.it