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La tormentata storia degli ultimi giorni di Maria Callas è al centro del nuovo racconto biografico di una donna che ha segnato il Novecento secondo Pablo Larrain, dopo Jackie e Spencer. Presentato in concorso a Venezia e al cinema dal 1 gennaio 2025, regala la performance della carriera ad Angelina Jolie.

Le ha raccontate tutte in un periodo circoscritto, chiuse nel proprio smarrimento se non dolore, in una casa diventata eremo di serenità e di limitata comunicazione con un esterno, una società e i media con cui hanno spesso combattuto, cercando di controllarli. Tutte e tre presentate in concorso a Venezia, le tre donne del Novecento – prima Jackie e Spencer e ora Maria – Pablo Larrain le ha raccontate sempre in maniera personale, cercando di proiettare una luce inconsueta sulla proiezione personale di figure dall’enorme rilevanza pubblica. In questo ultimo caso fa quasi incontrare due di loro, con una (intensa) scena in cui Maria Callas si trova sul letto di morte del suo amore sconfinato e dannato, Aristotele Onassis, interrotta dall’arrivo della moglie, la “ufficiale” Jackie, finendo ancora una volta per essere la donna di scorta, costretta a svignarsela segretamente dall’uscita secondaria.

Sono gli ultimi giorni di vita, ormai rinchiusa nella sua casa di Parigi, quelli raccontati in Maria. Si trova con la sua famiglia non ufficiale, la sua corte, sedotta e sinceramente affezionata alla regina della musica, più che personale di servizio. Bruna, la cuoca (Alba Rohrwacher) e Ferruccio come autista e domestico tuttofare (Pierfrancesco Favino). Le giornate passano tra le troppe medicine assunte da anni, lenitivo clinico ma anche esistenziale per i mal di cuore di una vita bellissima e piena di amori, ma anche tragica e tumultuosa. La salute è quella che è, ma mantiene come filo di speranza il sogno di tornare sul palco per cantare, anche se da anni ha dichiarato di voler smettere.

Occasione in realtà per alimentare un’ulteriore conflitto insanabile, uno dei tanti con cui Callas ha vissuto senza freni la sua vita e le sue passioni. Quella fra la voce di una donna ormai malata, anche se poco più che cinquantenne, logorata dalla generosità senza precedenti con cui si è sempre offerta al suo pubblico, non sempre capita, e quella degli anni d’oro, rievocata come fantasma, più che in registrazioni, nei lunghi pomeriggi trascorsi guardando al passato. È l’unica direzione che accompagna, con flashback e momenti quasi onirici, lo sviluppo narrativo di Maria. Scritto con maestria da Steven Knight (Spencer, La promessa dell’assassino), ci porta a fugaci momenti, per lo più il primo e l’ultimo incontro, con Onassis, grande amore e tormento della sua vita amorosa. Come dice lei stessa, è impossibile distinguere l’opera lirica dalla (sua) vita, tanto che alcune esibizioni tra le più memorabili della sua carriera, tutte interpretando scene dolorose, sembrano lentamente trasformare la protagonista nella somma delle tragedie che ha cantato.

Impossibile anche solo pensare a un biopic del genere senza la Maria Callas giusta. Angelina Jolie è evidentemente entrata totalmente in empatia con lei, riconoscendo un’altra diva costretta a vivere in pubblico i suoi tormenti amorosi, desiderata e adorata a livello globale senza però “poter fuggire”, come dice in un fugace incontro con John Kennedy. Jolie riesce a rendere gli inconfondibili occhi di Maria Callas, capaci di passare in un attimo dalla spensieratezza di una fanciulla sognante all’abisso disperato senza consolazione. È davvero l’interpretazione della carriera per l’attrice americana, che ha anche contribuito alle parti canore grazie a sette mesi intensi di studio di canto lirico. Il cinema in generale ha sempre più bisogno di grandi interpretazioni da parte dei pochi divi rimasti in circolazione, per portarli anche al di fuori dalle pagine gossip.

Maria è una splendida celebrazione della musica lirica, del suo potere evocativo, della voce più bella e personale. Un melodramma che con i suoi eccessi fuori dal tempo e dalle stagioni della vita e della nostra società rimane sempre attuale nel rappresentare i ricordi di una vita vissuta senza compromessi. Commuove spesso e travolge con un ritmo implacabile senza perdere eleganza nella messa in scena.

Mauro Donzelli – www.comingsoon.it

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In Parthenope la vita scappa da tutte le parti, come le nostre lacrime mentre cantano Cocciante o Gino Paoli, la giovinezza è sperperata come si deve (e Sorrentino non ne ruba nemmeno un minuto). Paolo Sorrentino trova la bellezza, e il sublime, nelle sue immagini (che partano dall’idea del bello tradizionalmente inteso, o che invece affondino le loro radici nel grottesco, del deforme, nella miseria o nell’osceno) e in un a vicenda che mette assieme e intrecciando la storia di una giovane donna che “si è lasciata andare” per combattere il dolore, quella di una città (Napoli), e una riflessione generale sull’esistenza.
Dentro una forma inconfondibile, studiata, a tratti così esplicitamente pittorica ma sempre spontaneamente e puramente cinematografica, il regista napoletano cristallizza un sentimento potentissimo, riuscendo nel miracolo di farlo liquefare. Gocce di una malinconia e una nostalgia struggenti che rigano le guance del film e dello spettatore, che squarciano il cuore, e che riescono a riguardare contemporaneamente una storia universale e legata al sentimento umano, e una più particolare sul legame con un luogo, una terra. (Federico Gironi – Comingsoon.it)

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Immigrato a Parigi dalla Guinea, il giovane Souleymane attende con ansia il colloquio con l’ufficio immigrazione locale per ottenere asilo e regolarizzare la presenza in Francia. Nel frattempo sbarca il lunario sfrecciando per la città in bicicletta e facendo consegne, subaffittando il profilo su un’app da un conoscente. Per dormire, deve prenotare ogni giorno un posto letto nella sistemazione provvisoria statale e presentarsi in tempo la sera alla partenza del pullman, schivando i vari ostacoli umani e istituzionali che cercano di mettergli i bastoni tra le ruote.

Seppur non illuminante dal punto di vista strettamente cinematografico, il terzo film di Lojkine trova ampiamente un motivo di esistere nella capacità di aprire gli occhi di un assonnato pubblico europeo, che troppo spesso fa finta di non vedere cosa succede per strada agli ordini di delivery.

L’esordiente Abou Sangare dona a Souleymane un pathos controllato e quasi inscalfibile, intento a tenere insieme in qualche modo i pezzi di una routine impossibile. Lojkine, che viene dal documentario, gli sta addosso con la macchina da presa e ne mette in fila le vicende in modo cronachistico, coprendo ogni aspetto del suo quotidiano: le consegne, sì – con tanto di periodica corsa contro il tempo per rispondere alle verifiche d’identità di una app non a suo nome – ma anche la situazione abitativa precaria e la ripetizione scolastica di una storia inventata, da imparare a memoria per assicurarsi la residenza tramite l’aiuto di un’industria di “facilitatori” ben poco affidabile.

In mezzo un caleidoscopio di personaggi, chi messo meglio e chi peggio, che mandano in scena un’umanità variabile, dagli sfruttati che sfruttano a loro volta fino ai piccoli momenti di gentilezza che sembrano oasi nel deserto di una società ostile. Apparizioni fugaci, perché nel film tutto si muove veloce e frenetico, e infatti il montaggio a cura di Xavier Sirven è il vero valore aggiunto.

Lojkine riserva poi nel finale un ruolo piccolo ma significativo – perché è lì che tutto va a parare – a Nina Meurisse, che per lui era già stata protagonista nella storia vera e tragica del precedente Camille. È in qualche modo il simbolo del suo cinema, che crede al valore del reale a costo di risultare didascalico; La storia di Souleymane è però il migliore dei suoi tre film, perché limita lo sguardo al terreno di casa, e attraverso quella componente didascalica costringe lo spettatore a fare i conti con le urgenti contraddizioni del loro mondo.

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Ci sono due categorie di film di Ridley Scott: quelli che iniziano con cartelli che spiegano l’antefatto e quelli senza i cartelli. I primi sono la categoria più numerosa, solitamente o di fantascienza o di ambientazione storica, tutto ciò che ha bisogno di un po’ di scritte bianche su sfondo nero per introdurre l’ambientazione. E sono i più ambiziosi. Il Gladiatore II (anche scritto: Il GladIIatore, sul serio) non poteva che appartenere a questa prima categoria, quella della grande introduzione storica. Ci troviamo circa venti anni dopo gli eventi del primo film e non c’è nessun riferimento a Massimo Decimo Meridio, il gladiatore interpretato da Russell Crowe. Almeno all’inizio.

Il protagonista (Paul Mescal) è Lucio, romano che vive nel Nord Africa e lì viene fatto prigioniero, passando per la medesima odissea del primo film: dalle arene di provincia fino al Colosseo, in rotta con l’imperatore. Che stavolta sono due imperatori: i fratelli Geta e Caracalla. Un agente di gladiatori (Denzel Washington) usa questo suo eccezionale prigioniero/guerriero per arrivare a Roma e cercare di prendere il potere. Il gladiatore vince confronti, uccide animali e rivali, e le sue gesta e la sua fama lo portano all’interesse della corte, nei salotti che contano. Anche se non vorrebbe, anzi è restio a questa violenza e odia Roma e l’impero (non senza ragioni). Intanto, lì a Roma, un generale dell’esercito (Pedro Pascal) assiste alla decadenza della corte e finirà coinvolto nella trama.

Gabriele Niola – www.wired.it

La stampa ed i media lo esaltano

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Paola Casella – https://www.mymovies.it/film/2024/flow/

Don Oreste Benzi è stato un sacerdote che sin dagli anni’70 ha deciso di non restare chiuso nella propria parrocchia ma di andare per le strade di notte a cercare gli ultimi. In particolare avvicinava in particolare le prostitute provenienti dall’Africa (ma non solo) e ridotte in schiavitù per proporre loro la possibilità di una fuga e di una vita diversa.

Un documentario frutto di anni di raccolta e di realizzazione di materiali ricostruisce la personalità di un sacerdote fuori dagli schemi.

“A me non è mai dispiaciuto essere spregiudicato. Spregiudicato vuol dire non mettere i paletti davanti al Dio che viene, all’avventura. A me è piaciuta sempre l’avventura, nel senso etimologico del termine: un qualcosa che viene, e che quindi non c’era. A me piace andare verso ciò che viene, non rimanere fermo a ciò che c’era”. Non c’è niente di meglio di questa dichiarazione d’intenti di Don Benzi per far comprendere a chi non lo conoscesse che tipo di persona fosse. Kristian Gianfreda, che lo ha conosciuto e ha lavorato con lui, ce ne mostra diversi aspetti proponendo sue dichiarazioni e mostrandocelo all’opera.

Ne emerge il ritratto di un uomo fortemente legato alle esperienze dell’infanzia fatte di gioia ma anche intrise del profondo senso di disistima del padre verso se stesso causato dalla propria condizione economica. “Pensava di non valere niente” dice a un certo punto. Da questa considerazione è nata la scintilla che ha acceso il fuoco della sua azione. Non è retorica parlare di fuoco perché basta ascoltarlo per capire quanto la sua azione nascesse da una profonda vitalità che lo spingeva ad andare di notte (come testimoniano le immagini belle perché sfuocate) a cercare i fuochi dei copertoni con un mazzo di rosari in mano per trovare quelle donne portate con l’inganno in Italia dai loro Paesi di origine e poi costrette a prostituirsi.

Gianfreda mostra le molteplici iniziative portate avanti non solo in Italia a favore degli emarginati e degli sfruttati così come non nasconde prese di posizione sulla prostituzione su cui era possibile il dissenso. Ciò che conta però è l’assoluta disponibilità di quest’uomo a mettersi in gioco per sottrarre a un’effettiva schiavitù donne che in lui hanno visto la possibilità di un mutamento della loro condizione di vita. Tutto questo spinto dalla fede in Dio, un tipo di fede che non si ferma alle enunciazioni ma è pronta a immergersi nel dolore e nella sofferenza anche correndo dei rischi per la propria incolumità. Oggi gli sopravvive la Comunità Giovanni XXIII da lui fondata che continua l’opera che il ‘pazzo di Dio’ aveva iniziato senza una struttura alle spalle ma solo guidato dalle pagine del Vangelo. Soprattutto da quelle che ad altri potevano sembrare ‘scomode’

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Un film sui massimi sistemi che non lascia spazio alle emozioni. Maestoso Anthony Hopkins

Freud, famoso psicanalista, discorre di massimi sistemi con C. S. Lewis, futuro autore di “Le cronache di Narnia”. Uno non crede e non ha fede, l’altro sì profondamente, entrambi si sforzano a battere l’altro esponendo e dibattendo ampiamente le proprie tesi. Nel frattempo intorno a loro tutto si disgrega, gli allarmi di bombardamento fanno tremare, a due giorni dell’invasione nazista della Polonia e dall’inizio di una guerra disastrosa si distribuiscono per strada le maschere antigas e si evacuano i bambini. C’è anche Anna Freud, figlia omosessuale di Sigmund Freud, con cui quest’ultimo ha un rapporto morboso e complesso. Sarà la pioniera della psicanalisi infantile.

Un film che si regge completamente sull’ennesima maestosa interpretazione di Anthony Hopkins.

Si tratta di Freud – L’ultima analisi, adattamento cinematografico dell’omonimo dramma di Mark St. Germain, tratto dal saggio “The Question of God” di Armand Nicholi. Vale la pena dirlo subito: l’incontro su cui si concentra il film, quello tra Sigmund Freud e C.S. Lewis, non è mai avvenuto. Spunto interessante che rende altrettanto curioso l’instancabile dibattito tra un grande maestro del pensiero del Novecento e un futuro scrittore che si presenta in tutto il suo afflato mistico e spirituale. Se dentro lo studio di Freud si dibatte di anima e interiorità, fuori tuttavia sta per scoppiare l’inferno: Londra è in pieno stato d’allerta, maschere antigas sono state distribuite, ci si rifugia nei bunker per i bombardamenti.

La scena dell’attacco di panico è forte e metaforica di una tensione costante in attesa della catastrofe, che arriverà di lì a due giorni con l’invasione della Polonia e lo scoppio della guerra mondiale. Una guerra che infuria «di nuovo», sottolinea il protagonista, un Hopkins ancora una volta in stato di grazia, capace di tenersi sulle spalle tutto il film interpretando un Freud ormai gravemente malato di tumore che si ostina a non arrendersi alle pene del corpo, ma resiste a colpi di morfina, in compagnia del suo inseparabile cane. Il confronto con il futuro scrittore di “Le cronache di Narnia” non è del tutto impari, colpisce la determinazione a rappresentarlo anche come incontro/scontro generazionale: da una parte uno degli uomini più influenti dell’epoca (e non solo), un maestro che ha segnato e rivoluzionato la storia della medicina e della filosofia, e che di lì a poco praticherà l’eutanasia su se stesso. Dall’altra un giovane professore saputello di Oxford che diventerà uno scrittore di fama mondiale.

Nel mezzo il racconto di un altro personaggio chiave nella vita di Freud, sua figlia Anna. Si racconta la sua relazione omosessuale e scandalosa per l’epoca con Dorothy Burlingham, il complesso di Edipo mai risolto con suo padre e l’irruzione della Gestapo per arrestarla. Neanche a dirlo, la performance di Hopkins ruba a tutti la scena, l’errore palese di base è stato non metterlo in condizione di duettare con un antagonista di pari spessore e carisma, per quanto Matthew Goode provi a difendersi.

Il film si attesta su un livello di didascalismo spinto, interessante giusto su un piano di puro approfondimento, e anche per delle chicche che riporta alla memoria dello spettatore, come la descrizione puntuale della curiosa collezione privata di reperti storici di Freud. Troppo ambizioso sulla carta, il film manca di coinvolgere davvero e finisce per sortire l’effetto di un compito senz’altro ben realizzato, studiato e curato in ogni minimo dettaglio, eppure irrimediabilmente senz’anima

Claudia Catalli – www.mymovies.it

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Un avvincente thriller ispirato all’omonimo romanzo di Robert Harris.

Conclave, basato sull’omonimo romanzo di Robert Harris e diretto dal regista premio Oscar Edward Berger (Niente di nuovo sul fronte occidentale), arriva al cinema dopo essere stato presentato oltreoceano al Telluride Film Festival e in Italia alla Festa del Cinema di Roma.

Dopo la morte improvvista dal Papa, il cardinale Lawrence (Ralph Fiennes), decano del collegio cardinalizio, si trova di fronte all’arduo compito di guidare l’elezione del nuovo pontefice. I rappresentanti più potenti della Chiesa cattolica si riuniscono in Vaticano e, isolati dal mondo esterno, dovranno fare i conti con intrighi, tradimenti e segreti.

Il film mostra l’affascinante dietro le quinte dell’elezione di un nuovo Papa, tra giochi di potere e colpi di scena.

Gli ecclesiastici, provenienti da varie parti del mondo, così come lo stesso Lawrence, sono pedine di un gioco di potere più grande di loro. Dal cardinale Bellini (Stanley Tucci), amico di Lawrence che ne sostiene la candidatura al papato, a tutti gli altri cardinali che puntano ad ottenere la nomina: Tremblay (John Lithgow), Adeyemi (Lucian Msamati) e il tradizionalista Tedesco (Sergio Castellitto). I possibili candidati nascondono dei segreti che, se svelati, potrebbero compromettere la loro elezione a nuovo Papa.

Ralph Fiennes rende magistralmente il conflitto di Lawrence, un uomo dai sani principi, che cerca di guidare il conclave nel migliore dei modi, nonostante le numerose difficoltà. Al suo fianco c’è un cast d’eccezione ma a spiccare su tutti è una splendida Isabella Rossellini nel ruolo di Suor Agnes, voce femminile quasi invisibile in un mondo prettamente maschile, che sebbene compaia in scena per una manciata di minuti, interpreta un personaggio fondamentale e decisivo.

Conclave ci mostra un’elezione del Papa in tempi moderni – i cardinali usano il cellulare e fumano sigarette elettroniche – dove a scontrarsi sono le diverse idee sull’orientamento che la Chiesa dovrebbe prendere. Da una parte il polo più progressista e aperto al cambiamento si contrappone ai più conservatori, ancorati a un’idea obsoleta di Chiesa e contrari ai passi in avanti compiuti dal defunto pontefice.

Dietro all’elezione del futuro pontefice c’è molto di più, si tratta infatti anche di dare inizio ad una nuova era per la Chiesa. L’immagine di una Chiesa corrotta mostra l’ambizione personale dei vari “candidati”, che dominano la scena e sono disposti a tutto pur di prevalere sui rivali e ottenere il potere.

Il dubbio e l’incertezza sono onnipresenti nel film: lo stesso Lawrence dubita, in primis di sé stesso e della sua fede. Tutto e tutti vengono messi in discussione, niente è come sembra. Alla fine, sarà proprio questa incertezza, nella sua accezione positiva, ad avere la meglio e ad unire tutti, lanciando un messaggio di speranza per il futuro.

Il film è ricco di colpi di scena e rivelazioni, la struttura è quella di un thriller politico e numerosi sono i riferimenti più o meno espliciti alla politica attuale e alla contemporaneità. Lo stesso conclave sembra diventare una guerra, che invece irrompe nel mondo esterno e che alcuni, come il cardinale di Kabul Vincent Benitez (Carlos Diehz), hanno vissuto in prima persona.

La musica dà ritmo al film, enfatizza i momenti chiave e ben rende la tensione che pervade lo svolgimento del conclave stesso. Fotografia e regia sono ben curate, ma il più grande punto di forza sono le interpretazioni dei protagonisti, oltre ad una solida sceneggiatura alla base.

In sintesi: Conclave – con un cast stellare e delle ottime interpretazioni, tra tutte quella di Ralph Fiennes – è un thriller ben strutturato, appassionante e intrigante, che offre diversi spunti di riflessione non solo sulla Chiesa ma anche sulla nostra contemporaneità.

Giulia Spadaro – www.madmass.it