redazione

Recensione

Maurizio Ermisino – www.wired.it

Recensione

Recensione

Edoardo Leo commuove il Giffoni con “Per Te”

Un racconto toccante, che arriva dritto al cuore. È stato questo l’effetto del film “Per Te”, presentato in anteprima al Giffoni Film Festival da Edoardo Leo, protagonista dell’opera diretta da Alessandro Aronadio. Il film, prodotto da PiperFilm, Lungta Film e Alea Film, nasce in collaborazione con  Netflix e si ispira alla straordinaria storia vera di Mattia Piccoli, nominato Alfiere della Repubblica a soli 11 anni.

Una storia di coraggio, amore e fragilità
Mattia, oggi adolescente, era poco più che un bambino quando ha iniziato ad affrontare una delle prove più dure della vita: prendersi cura del padre Paolo, colpito da Alzheimer precoce. Il film “Per Te” è tratto dal libro Un tempo piccolo di Serenella Antoniazzi, e racconta con delicatezza e forza un legame familiare profondissimo, in cui i ruoli si invertono e il figlio diventa il punto di riferimento del genitore. Durante l’incontro al Giffoni, Mattia ha dichiarato con emozione: “È stata un’emozione fortissima. Speravo che la mia storia potesse far capire ai miei coetanei cosa ho provato io“.

Edoardo Leo: “Un film che mi ha cambiato come uomo e come genitore”
Visibilmente coinvolto, Edoardo Leo ha raccontato quanto questo progetto lo abbia toccato nel profondo:

“Questo è uno di quei film che ti insegnano qualcosa. Mi ha fatto riflettere su quanto il nostro tempo sia prezioso e limitato.”
Leo interpreta Paolo, il padre di Mattia. Per calarsi nel ruolo, l’attore ha affrontato lunghe ore di ricerca, con l’obiettivo di rappresentare la malattia e la quotidianità familiare con rispetto e verità.

A interpretare il piccolo Mattia è Javier Leoni, giovane attore al suo primo grande ruolo. Di fronte ai giurati del Giffoni ha confessato: “Questo è il mio primo vero grande film. Ci ho messo tutto l’impegno della mia vita“. Il titolo del film racchiude tutto il senso della storia. Come ha spiegato Edoardo Leo: “È la dedica di un figlio al padre. La cosa più bella di questa vicenda è proprio quell’amore silenzioso e fortissimo che Mattia ha saputo esprimere“.

In anteprima al Giffoni sono state mostrate scene fortemente emotive, tra cui quella in cui Paolo rivela la diagnosi al figlio. Mattia, dal palco, ha commentato: “Un po’ avevo già capito. Ma quando papà me l’ha detto, ho cercato subito di capire come potevo aiutarlo“.

Il film “Per Te” parla di responsabilità, crescita e amore familiare, ma anche di fragilità genitoriale, tema caro anche al pubblico adulto. Leo ha sottolineato l’importanza di mostrarsi umani e vulnerabili anche come genitori: “Un genitore non perde autorevolezza se mostra di avere paura. Questo film mi ha insegnato che anche essere fragili è un atto di coraggio“.

Il film uscirà prossimamente su Netflix (data da confermare) e promette di essere uno dei titoli più emozionanti dell’anno, capace di parlare alle nuove generazioni ma anche agli adulti che si ritrovano in dinamiche familiari complesse. “Per Te” è molto più di un film. È un abbraccio tra padre e figlio, è la testimonianza che anche nelle situazioni più difficili può fiorire qualcosa di profondo e autentico. Condividi questa storia con chi ha bisogno di forza, ispirazione o semplicemente di un buon motivo per credere nell’amore familiare.

Debora Convertini – www.showlandnews.com

Recensione

Una regia ispirata e la presenza scenica di Bruni Tedeschi per un film sul dubbio e sul fallimento.

Sul finire della prima guerra mondiale, la “divina” Eleonora Duse è una star del teatro che manca dalle scene da quasi un decennio. La fine del conflitto e un ritrovato stato di salute, oltre alle difficoltà economiche, la spingono a rimettersi in gioco recitando Ibsen assieme alla sua troupe. Ma il mondo sta cambiando, per le strade le camicie nere picchiano, e l’orrore della guerra deve ancora essere metabolizzato. Spinta dalle parole di Sarah Bernhardt, la Duse prova allora a intercettare il nuovo che avanza affidandosi a Giacomino, aspirante autore senza esperienza. Lo spettacolo è un fallimento e metterà in crisi l’attrice, che tornerà ad avvicinarsi al “suo” D’Annunzio mentre la figlia Enrichetta continua a sentirsi trascurata da una madre che si consacra all’arte e alla recitazione.

Pietro Marcello torna dopo la parentesi delicatamente fiabesca de Le vele scarlatte con un ritratto immaginato e finale della leggendaria Eleonora Duse, riprendendo il filo del dialogo con l’acclamato Martin Eden.

La Duse di Valeria Bruni Tedeschi è una forza spiritata che non vuole arrendersi all’obsolescenza, “donna del mare” ibseniana in un mondo ancora gravato dalle ferite molto terrene della guerra.

Anche Martin Eden del resto era uomo del mare, e dalla relazione tra un film e l’altro Marcello può trarre uno studio per contrasti sul Novecento italiano, periodo che evidentemente gli sta a cuore: Napoli da una parte, Venezia dall’altra, e soprattutto il passaggio da un’epopea di costruzione del sé, in perenne divenire, alla tragedia di chi pur nella grandezza è già stata ciò che è stata, e non sembra in grado di intercettare il futuro.

Mentre un viaggio in treno, lento e inesorabile, unisce il paese nel trasporto del Milite Ignoto (e nell’uso dei materiali d’archivio restituisce al regista la sua cifra stilistica più celebre, anche se stavolta più in sordina), la Duse procede a strappi, torna sui suoi passi, percepisce una fine ma cerca di esorcizzarla con mille nuovi inizi; la mia anima, dice, “è la traversata”. La presenza scenica di Valeria Bruni Tedeschi, impossibile da intrappolare in un ruolo che non sia il suo, viene saggiamente liberata dentro il recinto fantastico di una diva inconoscibile e perciò tutta da inventare.

È una prova attoriale feroce e bambinesca al tempo stesso, dal carattere respingente ma piena di momenti memorabili. Nella parte iniziale dà sfoggio del suo potere, estraendo teatro dai suoi attori attraverso il famoso metodo pre-Stanislavskij, o riservando alla macchina da presa uno sguardo deliziosamente manipolatorio sotto al trucco di scena sfatto sul volto, perché non le si dica mai e poi mai che “è troppo tardi”. Quando le certezze vengono meno emergono invece le sfumature più crudeli e patetiche, e forse finalmente consapevoli, che culminano in un’interpretazione casalinga e fin troppo trascendente di Mangiafuoco.

Se Martin Eden era disegnato a tratto ampio, e animato da un protagonista capace di ingoiare il secolo nell’arco di una falcata, con Duse Marcello realizza un film più sottile sul dubbio e sul fallimento, catturando un breve momento storico in cui i personaggi sono paralizzati dal non saper decifrare il presente. Il suo è un controcampo sugli albori del fascismo (in questo fa un interessante tutt’uno con la contemporanea serie M – Il figlio del secolo) dal punto di vista di un mondo dell’arte che d’improvviso non ha più le risposte. Il lavoro sulle scenografie e sui costumi – e su come essi si trasformano – illustra il punto ancor più chiaramente di quanto possa fare Sarah Bernhardt nella fulminante comparsata di Noémie Lvovsky.

La regia di Pietro Marcello è ricca di trovate ispirate, fotografate nei toni freddi del blu in una Venezia desolata ed eterea. Mentre si moltiplicano le immagini che richiamano alla cecità e a uno sguardo offuscato, nella seconda parte si fa strada un palpabile senso di imbarazzo per una protagonista che si vende a Mussolini dopo aver “bruciato” Ibsen e lo stesso D’Annunzio (il sempre notevole Fausto Russo Alesi in un’interpretazione estrema, che non si fa schiacciare dagli eccessi di Valeria Bruni Tedeschi) sull’altare di un’incrollabile devozione – alla propria storia, al teatro, o forse all’idea di poter rimanere avanti al tempo.

Tommaso Tocci – www.mymovies.it

Recensione

Non c’è nulla di rivoluzionario o memorabile, eppure, sposando uno stile semplice e delicato e concentrandosi sulle reazioni emotive, riesce con leggerezza e sincerità a toccare le corde giuste.

Il nono lungometraggio del regista spagnolo Cesc Gay è una piacevole commedia romantica, sicuramente senza troppe pretese ma, al contempo, capace di descrivere con semplicità e misura un tema raramente sviluppato con la giusta delicatezza.

Al centro del racconto c’è Eva (Nora Navas), una donna di quasi cinquant’anni, sposata da oltre venti e madre di due figli adolescenti, Cris e Dani. Si rende conto che il matrimonio con suo marito Victor (Juan Diego Botto) è ormai arrivato al capolinea ed è decisa a riscoprire l’amore prima che sia troppo tardi. Durante un viaggio di lavoro a Roma, incontra Alex, un affascinante scrittore argentino (Rodrigo de la Serna). Tra i due scatta subito una profonda intesa che, pur restando su un piano elettivo, spinge Eva a prendere coscienza della necessità di separarsi dal marito. Tornata a Barcellona, inizia così una nuova vita da single, aperta alla seduzione e al romanticismo, ma anche a mille equivoci e cocenti delusioni.  Su di lei si abbatte subito la reprimenda sociale. Amici e conoscenti vivono con stupore generale la sua decisione. C’è chi le dice che la vita non è complicata ma un compromesso. C’è chi pensa che sia il marito ad averla tradita e chi la sprona a “rimettersi in carreggiata”, con un nuovo appuntamento. Eppure, ancora una volta, sarà il caso a bussare nuovamente alla porta.

Il regista di Truman (2015), insieme ad Eduard Sola, firma una più che discreta sceneggiatura, rifiutando qualsiasi tipo di eccesso o retorica, sposando uno stile semplice e delicato, concentrandosi sulle reazioni emotive dei personaggi. Ricorre spesso il tema, di evidente matrice alla Woody Allen, del caso come agente invisibile governatore delle nostre vite. Ma, ciò che resta davvero impresso è la delicatezza con cui viene raccontata la fragilità dei sentimenti e la goffaggine con cui si affrontano le relazioni umane. Non c’è nulla di rivoluzionario o memorabile, eppure l’opera di Cesc Gay riesce con leggerezza, sincerità e ironia a toccare le corde giuste

Giorgio Amadori – www.sentieriselvaggi.it

Recensione

Un road movie che riesce a raccontare un’Italia vera con una sua energia lenta e sul finale commovente.

Doriano, detto Dori, e Carlobianchi (sì, tutto attaccato) sono amici di bevute, in un Veneto rurale che pare quasi il Far West. Il loro obiettivo nella vita è sfondarsi di lumache e polenta e andare a bere l’ultima ombra di vino: “una voglia che va al di là della sete”. Hanno scoperto il segreto del mondo, ma da sobri non se lo ricordano, e credono alla leggenda metropolitana secondo cui il loro storico amico Genio, “il più premiato vincitore del Caliera Trophy”, ha nascosto da qualche parte un tesoretto ricavato dalla vendita di frodo di occhiali dal sole. Per questo, e perché gli vogliono bene, devono andare a prenderlo all’arrivo dall’Argentina, dove si era rifugiato in attesa della prescrizione per i sui reati. Lungo il loro percorso incontrano Giulio, studente di Architettura timido e insicuro, che si unisce al loro viaggio e impara a vivere alla giornata – ma non senza una missione temporanea – come fanno Dori e Carlobianchi da sempre.

Le città di pianura è l’opera seconda del regista e sceneggiatore (qui con Adriano Candiago) Francesco Sossai: un road movie sbullonato con per improbabili protagonisti due cinquantenni che rimpiangono gli anni Novanta, in un Veneto che sta per essere attraversato (per meglio dire sventrato) dall’autostrada Lisbona-Treviso-Budapest, e in cui gli operai vengono sfruttati per tutta la vita e congedati con estrema ipocrisia.

Il film ha il ritmo lento e girovago di una ballata country, i cui protagonisti sono contrari a Google Maps e preferiscono disegnarsi il percorso sui foglietti di carta: ma per Giulio, ventenne contemporaneo, diventano personaggi mitologici che hanno capito tutto della vita. La Divina Provvidenza assiste il trio scombinato e lo porta a vivere un’avventura picaresca che non dimenticheranno.

Sergio Romano e Pierpaolo Capovilla sono perfetti nei ruoli di Carlobianchi e Doriano, e le loro facce “non da cinema” (ma di consumata esperienza teatrale il primo, musicale il secondo) reggono perfettamente anche i primissimi piani, mentre Filippo Scotti (Giulio) si conferma attore di rara profondità emotiva ed espressiva, capace di fare molto con pochissimo. La musica dei Krano asseconda il mood on the road come una canzone folk di Woody Guthrie.

Il film di Sossai sembra un “indie” americano anni Settanta, ma gli ambienti sono profondamente italiani, così come sono riconoscibilmente reali i due protagonisti che appartengono non al loro “territorio”, ma proprio alla loro terra – quella “parola che nessuno usa più”.

Le città di pianura descrive “un paesaggio immaginario che non esiste”, si infila in un non-luogo che pare il Giappone, eppure riesce a raccontare un’Italia vera, lontana dai riflettori e dai set delle commedie mutuate dall’estero. Il film di Sossai trova una sua energia laconica che cresce lentamente e alla fine commuove, perché forse il segreto del mondo – o almeno di una vita alternativa a quella frenetica e arrivista di oggi – Dori e Carlobianchi l’hanno scoperto davvero.

Paola Casella – www.mymovies.it

Recensione

La Riunione di Condominio: quando il cinema ci mette davanti ai nostri pregiudizi.

Dal 11 settembre 2025 arriva nelle sale italiane La Riunione di Condominio, il nuovo film diretto da Santiago Requejo e distribuito da BIM Distribuzione. Una commedia drammatica che prende il via da una situazione quotidiana e apparentemente banale – una classica assemblea condominiale a Madrid – per trasformarsi in un ritratto lucido delle nostre paure più profonde e dei pregiudizi che spesso fatichiamo ad ammettere, anche a noi stessi.

Un ascensore, un annuncio e il crollo delle certezze
La trama sembra partire da un dettaglio insignificante: la sostituzione dell’ascensore in un palazzo madrileno. Una discussione di ordinaria amministrazione, destinata a concludersi rapidamente. Ma l’atmosfera cambia radicalmente quando un condomino comunica che uno degli appartamenti verrà assegnato a un nuovo inquilino con problemi di salute mentale. Quello che avrebbe potuto essere un confronto civile si trasforma in un incubo da assemblea: rancori sopiti riaffiorano, le maschere della convivenza pacifica cadono e il dibattito si fa feroce. Paure, ipocrisie e contraddizioni emergono con forza, rivelando come anche chi si proclama “tollerante” spesso inciampi di fronte alla diversità.

Dal corto “Votemos” al grande schermo
Il film nasce dall’ampliamento del cortometraggio Votemos, già premiato e apprezzato per la sua capacità di condensare in pochi minuti la tensione di un conflitto che appartiene alla nostra società. Con La Riunione di Condominio, Requejo espande quella premessa, trasformandola in un’opera corale che unisce commedia e dramma in un unico flusso narrativo.

Un cast d’eccezione per un microcosmo umano
Il palcoscenico è il condominio stesso, un microcosmo che diventa specchio dell’umanità. A dare vita ai personaggi troviamo Raúl Fernández de Pablo, Clara Lago, Tito Valverde, affiancati da Gonzalo de Castro, Neus Sanz, Christian Checa, Charo Reina e Pepe Carrasco. Ognuno di loro incarna un volto diverso del pregiudizio, della paura o, al contrario, del coraggio di accogliere. La regia di Requejo sceglie il tono della commedia sociale, senza però rinunciare a momenti di forte tensione emotiva, trasformando l’assemblea in un’arena dove si combatte non solo per un voto, ma per una visione del mondo.

Convivenza e inclusione: un tema più attuale che mai
La Riunione di Condominio è molto più di un film: è uno specchio puntato sulle nostre fragilità collettive. In un’epoca in cui si parla tanto di inclusione e diritti, Requejo ci ricorda quanto sia difficile abbattere realmente i muri dei pregiudizi. Lo fa senza prediche, ma con la forza del quotidiano, mettendo lo spettatore davanti a dinamiche che potrebbero accadere nel palazzo accanto al nostro.Con i suoi 88 minuti di durata, il film riesce a bilanciare ironia e dramma, regalando momenti che fanno sorridere ma anche riflettere, in un crescendo che non lascia indifferenti.

Una storia semplice, un messaggio universale
Il grande pregio di questo film è la sua semplicità: niente effetti speciali, niente scenari epici. Solo una sala condominiale, qualche sedia e un gruppo di vicini. Eppure, in quello spazio ristretto, La Riunione di Condominio mette in scena l’eterno conflitto tra paura e accoglienza, tra egoismo e solidarietà. Un piccolo teatro umano che diventa, inevitabilmente, specchio della società contemporanea.

Enrico Ruocco – https://www.corrierenerd.it