redazione

Recensione

UN’ANIMAZIONE VINTAGE E NOSTALGICA SULL’ELABORAZIONE DI UNA SEPARAZIONE. DIVERTENTE E ISTRUTTIVA PER TANTI TIPI DI PUBBLICI.

New York, anni 80, settembre. Dog, cane antropomorfo, vive un’esistenza solitaria, fatta di televisione e cibi preconfezionati. Durante una serata malinconica, consulta dei modelli di robot da acquistare e ne ordina uno per corrispondenza. Quando Robot gli viene recapitato a domicilio, nasce un’intensa amicizia tra questi e Dog: i due girano Manhattan in lungo e in largo, condividendo esperienze inebrianti. Dopo una giornata trascorsa in spiaggia Robot si blocca e non riesce più a rialzarsi: Dog cerca una soluzione, ma al suo ritorno trova lo stabilimento chiuso fino alla stagione successiva. Costretti a rimanere separati l’uno dall’altro per molti mesi, Dog e Robot finiranno per trovare soluzioni alternative alla rispettiva solitudine.

Lo spagnolo Pablo Berger, già autore dell’audace Blancanieves, si cimenta nella trasposizione animata della graphic novel omonima di Sara Varon, dando vita a un film interessante, del tutto peculiare rispetto al panorama del cinema di animazione internazionale.

Il mio amico robot infatti non cerca la perfezione verista del digitale né si accosta all’animazione contemporanea. Quella di Berger è un’operazione dichiaratamente vintage e nostalgica, tanto nel tratto adottato – semplice, colorato, privo di ombreggiature e tridimensionalità, dalle parti di Tintin – che nei contenuti, calati nell’epoca aurea della Grande Mela di inizio anni Ottanta, al termine della creatività inesauribile dei ’70 e appena prima del reaganismo.

Nello sguardo che Berger pone sul mondo e sui suoi “simili” – altri animali bipedi ma umanizzati in ogni aspetto, alla maniera di quanto avviene in Bojack Horseman – non c’è traccia dell’ottimismo del Candido di Voltaire. Questa “umanità” è prigioniera dei consueti vizi di avidità e menefreghismo, proprio come quella che conosciamo al di fuori dell’allegoria. Nonostante ciò, Dog cerca e spera in un domani migliore e la coppia che forma con Robot, una bromance tenera e platonica, sembra estrarre il lato migliore di New York, un immenso potenziale sociale e creativo nascosto sotto la coltre di stress e arrivismo. Non è un caso che la colonna sonora del sodalizio dei due sia un brano nostalgico come “September” di Earth, Wind & Fire, ricordo di una stagione memorabile e invito alla sua rievocazione attraverso il ballo e il movimento del corpo.

Nella sua seconda metà Il mio amico robot rivela così la sua natura più autentica, quella di un film sull’elaborazione di una separazione più che sull’amicizia, sul rimpianto più che sulle opportunità. Il distacco forzato tra Dog e Robot eleva il livello della sceneggiatura, restituendo lo smarrimento di due singolarità, convinte di aver trovato l’anima gemella e poi improvvisamente costrette a perderla e a rispettare le imperscrutabili leggi del destino, arbitro beffardo e inflessibile, ma mai reversibile.

Divertente e istruttivo, nostalgico ma adatto anche alle nuove generazioni o a un pubblico inconsapevole dei molti riferimenti, Il mio amico robot sembra ideale per rivolgersi a un target più ampio e garantire maggiore notorietà al nome di Berger, dentro e fuori il cinema di animazione.

Emanuele Sacchi – www.mymovies.it

Recensione

UN FILM IN CUI LA VERA RICCHEZZA È NEI SENTIMENTI. COME SE L’AMORE FOSSE CIÒ CHE È RIMASTO DELLA MILITANZA POLITICA.

Voleva cambiare il mondo Rosa ma l’ora della pensione è vicina e il tempo stringe. Infermiera e militante dal cuore d’oro e il carattere temprato, vive nel quartiere popolare di Marsiglia circondata dall’affetto della sua famiglia. Sempre attenta al prossimo e agli ultimi, spende la sua vita tra l’ospedale e la sezione di partito dove guida la sua ultima battaglia contro la destra. Ma alla vigilia dell’elezione elettorale incontra Henri, padre della futura nuora, e si innamora perdutamente. La sua vita vacilla coi suoi progetti. Tra un bicchiere di rosé e una canzone di Aznavour, tra il desiderio di vivere questa storia d’amore e il suo dovere politico, Rosa troverà la quadratura del cerchio.

Dopo un passaggio a Mali (Twist à Bamako), Robert Guédiguian ritrova Marsiglia, la sua complice di sempre (Ariane Ascaride) e la sua famiglia di attori abituali (Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan…).

Ritorno alla città natale e ai motivi della sua filmografia engagée che sposa cronaca d’amore e cronaca sociale. Perché Henri è l’unico impegno vero che Rosa vorrebbe prendere a questo punto della sua vita. Ma le questioni di cuore nel cinema di Guédiguian non sono meno politiche e ponderose da assumere.

Lungo la linea chiara dell’umanesimo sociale tracciata dai suoi film, l’autore ci crede ancora e fino in fondo. Crede nella militanza, nella sincerità, nel bicchiere di vino in mano e nella voce di Aznavour che canta la sua canzone più bella (“Emmenez-moi”). Crede, ancora, nella forza avvolgente della sua città, nell”attaccamento’ a Marsiglia come luogo di esperienza collettiva prima che di dimora individuale.

E col tempo e coi film questa ville-cinéma evolve, la società ugualmente. Il cinema di Guédiguian registra allora le trasformazioni e il disamore crescente per la politica, più specificamente l’allontanamento dalla sinistra e dai suoi valori della classe proletaria, rivolta progressivamente verso l’estrema destra.

E la festa continua! si aggiunge alla sua grande ‘opera collettiva’, a quell’immensa commedia umana bagnata dal Mediterraneo. Indomito, affronta le questioni del sentimento del territorio e indaga le risorse intime dell’impegno pubblico. Nei suoi film il paesaggio urbano, abitato, vissuto e percepito dai personaggi e dagli spettatori, è un rilevatore, è “materia segnaletica”, come avrebbe detto Gilles Deleuze, che rinvia a un milieu di vita.

Quel ‘bell’orizzonte’, dove anche Rosa ripara, si fa principalmente lettura sociale. Guédiguian insiste sui volti dei suoi abitanti, volti che tratta come dei paesaggi per valorizzare meglio la sincerità di un ‘attaccamento’ a tutte le persone, di tutti i quartieri, di tutti gli orizzonti. Come i suoi personaggi si esprime sul piano politico e osserva i rapporti di forza della sua città.

E la festa continua! comincia dall’effondrement dell’immobile di rue d’Aubagne nel 2018 e termina sulla commemorazione delle vittime del crollo. Riuniti in piazza gli abitanti diventano cittadini, ovvero attori del divenire di quel paesaggio inteso come bene comune. Dall’estetica, alla politica e all’etica c’è una connessione. Il cammino sembra lungo, quasi impraticabile oggi, ma Guédiguian non sente ragione e nemmeno l’ineluttabilità dei tempi. Il regista più impegnato di Francia ha rinunciato a ogni forma di militanza, salvo a credere – e Guédiguian vuole credere – che l’amore sia forse l’ultimo avatar dell’utopia comunista, quel modo di guardare al mondo attraverso la condivisione e la circolazione della ricchezza.

La ricchezza nel film è quella dei sentimenti, il regista ne esplora tutta la potenza e l’ambivalenza, senza mai giudicare i suoi personaggi, che sanno bene che “la miseria è più tollerabile al sole”. Non fatevi ingannare dalla bontà sparsa – mai buonismo – l’artista non si piega e fa appello all’amore (stra)ordinario e a quel comunismo marittimo che E la festa continua! ravviva e rilancia. Il film si descrive perfettamente in una replica di Ariane Ascaride alla coiffeuse: “Même couleur, même coupe” (“stesso colore, stesso taglio”), praticamente una dichiarazione di poetica. Del resto tra mare e terrazze ritroviamo tutti gli elementi che disegnano l’opera di Guédiguian: la risonanza sociale, il tempo che passa, Marsiglia, l’Estaque, una tribù di attori fedeli…

Eppure qualcosa si è spostato nel suo cinema, che ci fa piangere come bambini sotto il sole dell’avvenire. È vero, la rivoluzione non è mai arrivata, o almeno non è stata così forte da soffiare via tutto il male, ma Guédiguian rileva una ‘pandemia’ che ha lasciato un segno sul suo sguardo, un ottimismo che corregge la disillusione al cuore di La casa sul mare, più secco e più aspro sulla giovinezza, più disperato e cinico sul futuro. Come se il Covid, esplicitato soltanto una volta da una giovane infermiera ma assunto finemente dal film, avesse risvegliato forme nuove di solidarietà e di attenzione verso l’altro. Il distanziamento fisico ha creato una vicinanza sociale e stimolato una lotta ‘performativa’. Il risentimento è evaporato, mai la critica sociale, e la trasmissione prende corpo in un dialogo tra madre e figlio, in uno scambio tra padre e figlia.

Nonostante lo sfondo di grave perdita politica, la continuità è ancora possibile, ed è un gesto d’amore: la carezza di Gérard Meylan alla sua giovane inquilina, le acciughe di Ariane Ascaride per il suo ragazzo e per la futura sposa, il contributo lirico di Jean-Pierre Darroussin al discorso della figlia. La tenerezza nostalgica con cui l’autore osserva poi i personaggi della sua generazione ci lucida gli occhi e ci riconcilia con la vita.

Sempre alla ricerca di un posto al sole dove una vecchia replica possa suonare ancora nuova, Guédiguian getta le sue vecchie reti da pesca e trova il pesce d’oro: le partage de l’amour. La convivialità resta il suo motore, la resistenza interiore il suo diritto. E adesso « emmenez-moi au bout de la terre, emmenez-moi au pays des merveilles » e di Robert Guédiguian.

Marzia Gandolfi – mymovies.it

Recensione

UNA COMMEDIA IMPERDIBILE, PUNGENTE E SCORRETTA CON PERFORMANCE ATTORIALI MEMORABILI.

Nel 1922 a Littlehampton la routine di una piccola cittadina viene sconvolta da una serie di lettere anonime oscene e cariche di insulti, indirizzate a Edith Swan. È una donna devota, cristiana, la sua fama di rettitudine e impeccabilità morale la precede. Tutto il contrario della sua vicina di casa Rose Gooding, immigrata irlandese vivace, ribelle e anticonformista. Sarà lei la prima sospettata, e subito arrestata, come autrice delle anonime missive. Sarà vero? A fare luce sulla vicenda, una giovane poliziotta poco rispettata, che insieme alle donne di quartiere si impegnerà a scoprire la verità.

Fare commedia in modo arguto, sottile, raffinato, è arte sempre più rara. Appartiene di sicuro alla penna di Johnny Sweet e alla maestria registica di Thea Sharrock, che firmano un’opera deliziosa, scorretta e imperdibile.

Al centro c’è un mistero da risolvere: lettere oscene piene di insulte dal mittente sconosciuto. Siamo nel primo ventennio del Novecento, le donne non sono ben viste in società, e Sharrock ne sottolinea con amara ironia a più riprese la realtà ingiustamente subalterna. A partire dalla protagonista Edith Swan, che vive nella pia devozione cristiana ed è del tutto sottomessa ai voleri e alle isterie del padre/patriarca.

Due personaggi drammatici, resi più interessanti che mai non solo dall’abile scrittura, ma anche dalle titaniche performance degli attori Timothy Spall e Olivia Colman. Quest’ultima offre l’ennesima prova d’attrice maiuscola, riuscendo perfettamente a calarsi nei panni di una donna repressa, che trova una via di sfogo nell’amicizia inattesa con la vicina Rose Gooding. Rose è un personaggio-chiave, rappresenta la forza vitale che viene da fuori, un’immigrata irlandese con tanto di figlia al seguito, sboccata, anticonformista, ribelle, pronta a scoccare freccette sulla testa degli uomini, non certo a farsi comandare da loro.

Anche Jessie Buckley sfoggia una memorabile abilità recitativa, è perfetta nel dare corpo e grinta alla vera “outsider” della storia, una donna moderna, imperfetta, ritenuta “sbagliata” da tutti, eppure profondamente autentica. Il suo modo di vivere decisamente agli antipodi dell’apparente rettitudine di Edith insospettisce, tuttavia, il padre di quest’ultima, che la ritiene colpevole delle anonime sconce missive che gli arrivano in casa. Il sospetto diventa automaticamente accusa ed Edith viene incarcerata.

Qui la commedia si mischia prima con la “detection”, poi con il “legal movie” quando Rose dovrà affrontare il processo. Scene drammatiche si alternano a continui spunti di leggerezza, cesellati di ironia pungente e scorretta. Nel mirino della sceneggiatura c’è soprattutto l’ottusità e l’arroganza degli uomini del tempo, determinati a considerare le donne “di serie b”, mortificandone aspirazioni e talenti.

Succede anche alla poliziotta Gladys Moss (un’eccellente, anche qui, Anjana Vasan dallo sguardo più che espressivo), che ha nel sangue il dna del detective e si mette a indagare sul caso, per quanto il suo superiore glielo abbia vietato. In quanto donna non solo non può fare indagini, ma non può neanche avere figli o sposarsi.

L’ironia con cui Sharrock porta sullo schermo tutta questa narrazione è feroce e politicamente scorretta, ma soprattutto colpisce tutte e tutti indiscriminatamente: anche le manie delle donne vengono messe alla berlina, dall’irascibilità di Rose al bigottismo di Edith, passando per le loro – indimenticabili – vicine di quartiere, tra cui c’è chi che senza mangiare uova non sa stare. A tutto questo si aggiunge l’umorismo marcato, e amaro al tempo stesso, con cui si affronta in maniera narrativamente ammirevole il fenomeno contemporaneo degli “haters”, attraverso questa storia “più che vera” (avvertono i titoli di testa).

L’insulto anonimo selvaggio nasce – come il film non cessa di mostrare – dalla repressione, dalla violenza psicologica domestica, dalla reclusione. E anche un po’ dall’invidia verso chi ha la volontà e la possibilità di vivere una vita libera, lontana dalle imposizioni.

Claudia Catalli – mymovies.it

Recensione

La sala professori è una grande lezione sulla vera educazione alla libertà

Tra i film che nel 1946 vinsero il festival di Cannes – ci fu una cerimonia ecumenica postbellica, che premiò anche Roma città aperta di Roberto Rossellini – va citato anche Spasimo, diretto da Alf Sjöberg e scritto da Ingmar Bergman. Spasimo è una pellicola sulla scuola, che mette in scena il rapporto tragico fra un professore autoritario con simpatie naziste e uno studente coraggioso che si ribella ai suoi metodi. Già nel primissimo dopoguerra Sjöberg e Bergman riuscirono a mettere in luce come i sistemi di educazione autoritari avessero favorito l’avvento dei fascismi, ma possiamo anche prendere Spasimo come un film paradigmatico del cinema che mette in scena la scuola: ogni volta abbiamo a che fare con un dramma che contrappone chi vuole educare per dominare qualcuno e chi vuole farlo per liberarlo.

Nei saggi che hanno esplorato la storia della scuola attraverso le immagini, come Visual history. Images of education, di Ulrike Mietzner, Kevin Myers e Nick Peim, viene fuori in modo molto netto come rappresentazione e istituzione si siano rispecchiate a vicenda nell’evoluzione mondiale del sistema scolastico. Del resto ognuno di noi ha avuto, da studente o educatore, modelli scolastici anche cinematografici a cui appassionarsi o da rifiutare, che sono diventati addirittura iconici, dalla signorina Rottermeier al professor Keating di L’attimo fuggente.

Quando andiamo a vedere un film che parla di scuola, e ambientato in una scuola, sappiamo già cosa aspettarci: un conflitto. Tra docenti e studenti, tra dirigenti e docenti, tra studenti e studenti, qualcosa che nell’equilibrio della comunità educante si spezza e fa deflagrare un dissidio latente, che non è mai solo della scuola o di quella scuola, ma di un mondo più grande di cui la scuola, com’è facile riconoscere, è solo una metonimia.

Succede anche con La sala professori di lker Çatak. In un buon istituto tedesco, la professoressa Carla Nowak (Leonie Benesch, un’interpretazione di precisione chirurgica) insegna matematica ed educazione fisica a una seconda media: è preparata, coinvolgente, amata, usa una maieutica che ogni volta va a segno con gli studenti. L’innesco della deflagrazione del conflitto è un piccolo consiglio disciplinare – nel quale sono chiamati a discutere anche due studenti rappresentanti di classe – convocato per scoprire chi è responsabile di alcuni piccoli furti che avvengono a scuola.

Da lì comincia la battaglia, prima sorda, poi fragorosa. I metodi che ognuno adotta per risolvere il problema sono diversi: la dirigente ci tiene a ribadire il valore della “tolleranza zero”, che la scuola ha scelto di applicare ai casi controversi; gli studenti e i genitori mostrano le loro ipotesi, che nascondono antipatie e idiosincrasie; Nowak cerca di gestire in autonomia la vicenda; altri colleghi convincono gli studenti a dire a mezza bocca chi sono i colpevoli e ipotizzano interventi della polizia. Come fare a educare alla giustizia e alla legalità quando i riferimenti alla legalità e alla giustizia sono in contrasto perfino tra gli adulti?

Si scatena così un dramma costruito con una sceneggiatura talmente ben annodata nei suoi passaggi da somigliare a un algoritmo morale. In un paio di scene Nowak rivela proprio come l’insegnamento delle sue materie, matematica ed educazione fisica, sia modellato secondo una didattica costruttivista, ossia usando la collaborazione per costruire lezioni che siano delle scoperte e delle ricerche collettive.

Ma il metodo della professoressa, la sua tenacia, la sua energia nello scoprire la verità sui furti e, al tempo stesso, nel tenere insieme la comunità educante, orientandola verso valori progressisti, di educazione alla democrazia, deve tenere a distanza, in ogni scena con più intensità, un fuoco incrociato di istanze difensive, rivendicative, personalistiche, di gruppo, corporative: la comunità educante si trasforma in guerriglia educante.

I rapporti cordiali diventano feroci, il giornale scolastico le fa un’intervista che impone una sua versione dei fatti e somiglia a una manipolazione, il collegio docenti diventa un processo permanente alle intenzioni, nel consiglio di classe i genitori si schierano come un plotone di esecuzione.

Per chi insegna o per i genitori questi momenti del film sono particolarmente toccanti e dolorosi. Se non nel modo paradossale, estremo di La sala professori, questo genere di scene sono la routine di ogni vita scolastica. Vedere lacerarsi man mano la trama della fiducia collettiva della classe o della scuola è uno spettacolo drammatico, esiziale, che lascia feriti. Accuse, incomprensioni, ingiustizie, punizioni esemplari che non portano a un granché, reprimende: molti di noi sanno come i contesti scolastici possono trasformarsi di frequente in arene di conflitti che s’infiammano, con escalation repressive e paternalismo apparentemente inarrestabili.

Mentre vediamo La sala professori speriamo che nella scena successiva la situazione si calmi, che qualcosa si aggiusti, e invece – incalzati dalla colonna sonora esplicitamente thriller di Marvin Miller – quel contrasto esplode e annichilisce ogni speranza, prima nel sistema e poi perfino nelle persone che consideravamo alleate: dal piano educativo si passa al sociale, dal sociale al giuridico, e l’episodio ormai si perde in una serie di fatti, sempre più difficile da recuperare. Una volta che una sanzione non produce l’effetto desiderato, spesso si innesca una specie di circolo vizioso che aggiunge extrema ratio a extrema ratio, fino a mettere in discussione l’idea stessa di relazione educativa.

Quante volte in classe, rispetto a dei ragazzi e di fronte a quello che consideriamo un errore, una mancanza, sentiamo dire, o pronunciamo noi stessi: “Eh, ma lo devono capire!”. E se non lo capiscono? Se i metodi che consideravamo efficaci non funzionano, se quel contesto che pensavamo fosse riconosciuto come autorevole ed educativo non lo è, che si fa?

Qui bisognerebbe fare spoiler su un pezzo di film. Molti critici hanno trovato il finale di La sala professori non solo aperto ma opaco ed evanescente, come se sfilacciasse con un allentamento dell’ordito la tessitura perfetta cucita dall’inizio. In realtà, pian piano che la vicenda va avanti e la crisi si amplifica e approfondisce, si crea un doppio movimento: l’istituzione scolastica mostra la sua ombra e il film diventa un’opera non più sulla scuola ma sul mondo, ossia sul potere. Quale è la funzione della scuola? A cosa si educa? A imparare a dominare o a liberare? Per riprodurre la struttura del potere già esistente o per metterla in discussione fino a distruggerla e a pensarne una nuova?

Allora, come capita nelle migliori relazioni educative, la vera sfida è se veramente il vecchio è disposto a lasciare campo al nuovo, se veramente quell’autonomia che noi adulti proclamiamo sempre come orizzonte di senso, possa comprendere un’accettazione radicale del fatto che noi adulti possiamo fallire, fallire del tutto, anche e soprattutto nel nostro progetto educativo. E questo a volte non è per niente un male, anzi spesso è l’esito migliore che possiamo augurarci per crescere anche da adulti.

Recensione

La passione per il surf unisce le traiettorie di un bambino israeliano e di uno palestinese, e il risultato è sia struggente che altalenante

Non sarebbe potuto uscire in un momento più propizio I bambini di Gaza – Sulle onde della libertà, e non solo per la situazione sempre più drammatica che sta sconvolgendo la Palestina in seguito ai tragici avvenimenti del 7 ottobre (o da ben prima, ad esseri onesti). Il debutto cinematografico dell’italoamericano Loris Lai non è infatti un film dichiaratamente politico, non ha interesse nel prendere una posizione rispetto al conflitto ma ne denuncia la portata devastante sulle vite, le menti e i sogni dei bambini che loro malgrado ne sono vittime.

Due fazioni, lo stesso desiderio

In fondo, scavando un po’ più a fondo, I bambini di Gaza – Sulle onde della libertà potrebbe essere letto come una parabola sul desiderio: di libertà, quindi di sognare, di scappare via da un posto che assomiglia sempre di più all’inferno sulla terra ma anche di rimanere e lottare contro gli “invasori”. Ma anche un desiderio di pace, di fratellanza, di fermare una guerra che miete solo vittime ma non risolve i conflitti; una guerra in cui il regista Loris Lai sceglie di non schierarsi (o almeno non apertamente), perché al suo film e a quindi ad egli stesso interessa ragionare sulle possibili conseguenze, e magari anche sulle possibili soluzioni, e non sulle cause.

Mahmud e Alon diventano quindi i volti di due fazioni diverse costrette da una passione in comune a conoscersi, a provare a superare le diffidenze e le ostilità in nome di un obiettivo condiviso: quello di imparare a cavalcare le onde, a controllare ciò che non si potrebbe controllare. È proprio la metafora surfistica la più calzante e riuscita per ricalcare l’assurdità della guerra, di tutte le guerre, soprattutto se viste dagli occhi innocenti dell’infanzia; non è un caso che la bella inquadratura finale espliciti la vicinanza e la lontananza assieme dei due quasi amici, i quali non esitano a salvarsi la vita in acqua ma poi ritraggono le mani su quella terra martoriata, mentre alle loro spalle c’è solo morte.

La domanda più difficile

Il fatto che I bambini di Gaza – Sulle onde della libertà cerchi di porre domande sensate più che fornire risposte è evidente nelle intenzioni drammaturgiche, in alcuni dialoghi fortunatamente privi di retorica e nel modo in cui Lai ci espone il tema della discriminazione. In uno scambio tra Alon e il padre, quest’ultimo riferisce al figlio che ci sono soltanto due modi in cui questa guerra potrà finire: con la vittoria degli israeliani o con quella dei palestinesi. Alon, però, gli chiede se esista una terza opzione ma il padre, roso dal fondamentalismo, gli risponde di no. La stessa cosa avviene con Mahmoud e il suo padre spirituale Ahfar, e anche qui la risposta è secca, imprescindibile.

Ecco, il film di Lai ha il merito di mostrarci entrambi i lati di questa profonda spaccatura, di un odio viscerale alimentato dall’intolleranza e dall’ignoranza. Noi li vediamo i bambini palestinesi che vengono plagiati e addestrati ad uccidere e a morire come martiri, ma anche il plagio di Alon è altrettanto violento seppur più sottile. Nonostante quindi un voice-over troppo insistito e un doppiaggio decisamente non all’altezza, oltre a qualche ingenuità di scrittura che appesantisce un po’ la narrazione, I bambini di Gaza – Sulle onde del destino azzecca un paio di splendide sequenze dal taglio onirico come quella dei bambini al tramonto in un enorme deserto che potrebbe essere un aldilà ideale o, come già scritto, quella finale.

Ma soprattutto riesce in più occasioni ad uscire dal reale per entrare nell’immaginario, ad utilizzare l’interessante fotografia un po’ ruvida e molto calda di Shane Sigler per miscelare i due piani e dare così più morbidezza alle trucide e realistiche sequenze di guerra. Grazie anche alle buone prove attoriali, soprattutto dei due giovani protagonisti, quella dei bambini di Gaza è una storia che abbraccia lo zeitgeist e rilancia ad un futuro migliore auspicabile, se non propriamente possibile, mentre cavalca le onde su una tavola da surf.

Prezzi

BIGLIETTO INTERO € 7,50
BIGLIETTO RIDOTTO € 6,00

_ BAMBINI da 4 a 12 anni
_ ADULTI oltre 60 anni
_ PORTATORI DI HANDICAP
_ GIORNALISTA, dietro presentazione di tesserino
_ MILITARI
_ TITOLARI tessera ANEC – UNITA (Unione Nazionale Interpreti Teatro e Audiovisivo)
_ il MERCOLEDÌ (escluso festivi e prefestivi, e nel giorno di uscita di un film): per TUTTI
_ il VENERDÌ (escluso festivi e prefestivi) per i soci i possessori di:
a) tessera “Vieni al cinema” con di foto di riconoscimento oppure senza foto purché accompagnata da tessera dell’Ente
b) tessera ACI (Automobile Club d’Italia)
c) card Cultura del comune di Imola
d) tesserati Azione Cattolica (adulti, giovani e giovanissimi)
e) tessera ANEC – UNITA (Unione Nazionale Interpreti Teatro e Audiovisivo)

BIGLIETTO OMAGGIO

ACCOMPAGNATORE DI PORTATORE DI HANDICAP
BAMBINI fino a 3 anni
POSSESSORI DI TESSERA DEGLI ESERCENTI SALA CINEMATOGRAFICA (AGIS-ACEC, AGIS-ANEC, ANEM..)
POSSESSORI DI TESSERA ‘EUROPA CINEMAS’

Recensione

Tratto dalla autobiografia “Elvis and Me”, la regista americana dirige un lungometraggio che racconta la relazione amorosa tra  Priscilla Ann Wagner Beaulieu e il re del Rock and Roll . Protagonisti Cailee Spaeny (premiata con la Coppa Volpi a Venezia) e Jacob Elordi. 

È affascinante e parimenti  complesso, vivere all’ombra di un gigante. Lo sa benissimo Priscilla Ann Wagner Beaulieu che nel 1959 conobbe Elvis Presley nella base militare americana di Wiesbaden, in Germania. Successivamente sposò il re del rock’n’ roll il primo maggio del 1967, partorì Lisa Marie, nove mesi dopo e, infine, divorziò dal King nell’ottobre del 1973. E in fondo anche Sofia Coppola, con modalità e grado parentale completamente differente, ha vissuto con una figura artistica assai importante, un titano del grande schermo, ovvero suo padre Francis Ford, uno dei più importanti registi della storia del cinema. E forse per questo la talentuosa cineasta ha deciso di firmare un biopic su una delle love story più note e discusse in ambito musicale e non solo. Un lungometraggio che arriva nelle sale cinematografiche italian da mercolefì 27 marzo, dopo essere stato presentato in concorso alla 80.ma edizione della Mostra del Cinema di Venezia.

In Priscilla, Sofia Coppola gioca per sottrazione. Opta per la sineddoche, la parte per raccontare il tutto. Si parte con un florilegio glamour e stilosissimo di dettagli. Piedini accuratamente smaltati che calpestano una coloratissima moquette, ciglia lunghissime applicate con la dovuta perizia, un’epifania di bigodini, lacca spruzzata come se non ci fosse un domani, rossetto lucido  sulle labbra e profumo Chanel numero 5, a impreziosire la forma, da sempre contenuto, soprattutto negli anni Sessanta. Poi il film parte con la cronaca. Priscilla Ann Wagner Beauli, nata a New  York, il 24 maggio del 1945, ha 14 anni e si annoia moltissimo. Il suo padre biologico, il pilota James Wagner, è  deceduto in un incidente aereo quando la ragazza aveva sei mesi. La madre, Anna Lillian Iversen (di origini norvegesi), si è sposata con Paul Beaulieu, un ufficiale della United States Air Force. La famiglia vive nella base di Wiesbaden città extracircondariale della Germania centro-occidentale. La ragazza si sente triste e sola. Ma quando Priscilla incontra a una festa Elvis Presley, l’uomo, che è già una superstar del rock’n’roll, le cose cambiano radicalmente. Nella sfera privata, il cantante  si rivela come qualcuno di completamente diverso: un amore travolgente, un alleato nella solitudine e un amico vulnerabile. Attraverso lo sguardo di Priscilla, la regista illustra il lato meno noto di un iconico mito americano. Una storia iniziata tra le uniformi militari e proseguita nella famosissima tenuta da sogno a Graceland. Una storia fatta di amore, sogni e fama.

La venticinquenne Cailee Spaeny (che  prossimamente vedremo nellì’atteso Civil War di Alex Garland e in Alien Romolus) si cala con il giusto piglio nei panni di Priscilla. Tra sguardi, gesti e acconciature, l’attrice restituisce sullo schermo, con la dovuta grazia, tutte le fasi dell’innamoramento, della passione, della delusione, sino alla fine di un amore che entrambi i protagonisti credevano eterno. Non a caso l’attrrice, grazie a questa performance, l’attrice ha vinto la  Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile.

Di contro per Jacob Elordi, la sfida si preannunciava assai ardua, soprattutto a causa del biopic firmato da Baz Luhrmann con cui Austin Butler si era portato a casa una nomination all’Oscar. Eppure, l’attore, ottimo nella parte di Nate Jacobs nella serie Euphoria, se la cava egregiamente nel ruolo di Elvis. In un film che ci mostra soprattutto il lato più fragile e meno carismatico del grande artista, Jacob funziona sia quando chiama l’amata con il vezzeggiativo “Cilla”, sia quando mostra la sua dipendenza da anfetamine e sonniferi. Insomma, ci si commuove davanti a questa accurata rappresentazione di una love story che non a caso termina con I Will Always Love You, cantata da Dolly Parton, si finisce per convincersi che certi amori, in fondo non finiscono mai. Almeno al cinema.

tg24.sky.it

Recensione

UNA STORIA UNIVERSALE D’AMORE E AMICIZIA CHE CI REGALA UN NUOVO PERSONAGGIO DA RICORDARE

Mary è una bambina di undici anni appassionata alla cucina. La nonna la sostiene sempre, anche quando esaminatori saccenti non apprezzano i suoi piatti. Ma la nonna è anziana e subisce un ricovero in ospedale. Mary ne è addolorata ed aumenta nei suoi confronti le attenzioni da nipote affezionata, sostenuta in questo da una misteriosa giovane donna che è comparsa all’improvviso sul suo cammino.

Dal più irlandese degli scrittori contemporanei D’Alò trae una storia universale.

Il romanzo “La gita di mezzanotte” di Roddy Doyle, autore del famosissimo “The Commitments”, è stato recensito dal Guardian in questi termini: “Una storia deliziosa in cui amore e amicizia, allegria e serietà si fondono alla perfezione. Incanta sin dalla prima frase.” Chi, se non Enzo D’Alò, poteva accettare la sfida di immettere nello stesso film questa molteplicità di sentimenti e stati d’animo facendoli emergere con misura e consentendo ad un pubblico di bambini e di adulti di poterne percepire ed apprezzare anche le sfumature?

Il suo confronto con quelli che erano già dei classici della letteratura attraversa la sua filmografia. La freccia azzurra da Rodari, Momo da Ende passando per Pinocchio per finire con La gabbianella e il gatto da Sepulveda sono lì a testimoniarlo e non hanno sentito il passare degli anni.

In ognuna di queste occasioni D’Alò ha saputo cogliere l’originalità del testo letterario traducendola in immagini per lo schermo che si avvalgono di una semplicità che è frutto dell’approfondimento della pagina scritta.

La rossa Mary, che ha una vitalità estremamente consona al colore delle sue chiome e alle sue origini irlandesi, diventa così un nuovo personaggio da ricordare nella galleria di un regista da sempre attento a coniugare forma e contenuto. Questa volta si consente anche delle variazioni sul piano della grafica quando realizza dei flashback che danno conto di alcune reazioni nel presente altrimenti inspiegabili. Ma ciò che più conta, in questa delicata storia, è l’attenzione nell’affrontare un tema non facile da trattare come quello della malattia di una persona anziana con il conseguente distacco.

Bisogna saperlo fare con i toni giusti, recepibili anche da un bambino, conservando una sostanziale leggerezza all’intero contesto non trascurando anche momenti di decisa allegria. Tutto ciò poi grazie alla presenza di quattro generazioni al femminile che finiranno con l’unirsi per un on the road che non segna una fine ma un vero e proprio nuovo inizio. A cui poi si aggiunge, e non proprio in secondo piano, un riferimento agli innumerevoli game televisivi a base culinaria che sono impostati sulla competizione accesa e, spesso, su preparazioni di piatti così creativi da dimenticare che la tradizione, per essere superata, va conosciuta a fondo.

È nel passaggio di testimone tra nonna e nipote su questo versante che troviamo un ulteriore messaggio non retorico ma anche troppo spesso non tenuto nella dovuta attenzione. Si tratta del rapporto tra giovani e anziani che rischia di essere travolto da un solipsismo digitale che li esclude sia sul piano pratico che su quello comunicativo dal mondo delle nuove generazioni. Mary e la nonna si avvalgono di un passaggio di conoscenze dettato dall’amore per la cucina e dall’affetto che le unisce.

Giancarlo Zappoli – mymovies.it

Prezzi

BIGLIETTO INTERO € 7,50
BIGLIETTO RIDOTTO € 6,00

• BAMBINI da 4 a 12 anni
• ADULTI oltre 60 anni
• PORTATORI DI HANDICAP
• GIORNALISTA, dietro presentazione di tesserino
• MILITARI
• il MERCOLEDÌ (escluso festivi e prefestivi, e nel giorno di uscita di un film): per TUTTI
• il VENERDÌ (escluso festivi e prefestivi) per i soci i possessori di:
a) tessera “Vieni al cinema” con di foto di riconoscimento oppure senza foto purché accompagnata da tessera dell’Ente
b) tessera ACI (Automobile Club d’Italia)
c) card Cultura del comune di Imola
d) tesserati Azione Cattolica (adulti, giovani e giovanissimi)

BIGLIETTO OMAGGIO

ACCOMPAGNATORE DI PORTATORE DI HANDICAP
BAMBINI fino a 3 anni
POSSESSORI DI TESSERA DEGLI ESERCENTI SALA CINEMATOGRAFICA (AGIS-ACEC, AGIS-ANEC, ANEM..)
POSSESSORI DI TESSERA ‘EUROPA CINEMAS’

Recensione EveryEye

DUNE 2 RECENSIONE: DENIS VILLENEUVE FA LA STORIA DEL CINEMA SCI-FI
La nostra recensione dello spettacolare kolossal sci-fi di Denis Villeneuve, che con Dune – Parte 2 confeziona un film a dir poco epocale.

Si esce disorientati dalla visione di Dune Parte 2. Storditi dalla quantità di informazioni che il sequel firmato da Denis Villeneuve, dopo un primo capitolo comunque denso ma più contenuto, riversa addosso in quasi tre ore di durata. Ma ci si sente anche travolti da un’esperienza cinematografica unica, potente, importante.

Perché Dune Parte 2 è il blockbuster per antonomasia che in realtà non vuole essere un blockbuster. Ed è un conflitto interiore che il film porta su di sé per tutto il tempo, senza mai rifiutarlo. Anzi, abbracciandolo. E il risultato è un’opera semplicemente stratosferica: autoriale, gigantesca, che rimane – anzi, rimarrà – cristallizzata nel tempo.

Un sequel speculare

L’elemento straordinario di questo sequel sta nella sua estrema coerenza – narrativa, stilistica, di tono – con il primo capitolo. Una continuità quasi reverenziale, nel segno di una solennità imponente e di un ritmo che rimane giustamente compassato per larga parte del racconto.

Non che rispetto al suo predecessore questo Dune Parte 2 non ingrani, soprattutto nell’ultimo atto. Il secondo capitolo è, a conti fatti, un prodotto dal taglio molto più action, che tuttavia mantiene gli stessi compromessi del primo Dune in termini di approccio allo storytelling. Una direzione necessaria, sia per preparare il terreno in vista del finale, sia per mantenere quell’aura fortemente sacrale che Villeneuve abbraccia con fierezza e idee uniche. Con una filologia assoluta anche nei confronti del romanzo di Frank Herbert, rispetto al quale il film con protagonista Timothée Chalamet deve opportunamente fare delle rinunce che non snaturano in alcun modo la qualità e la coesione della trama.

Dune 2 è un film orgogliosamente speculare al primo. Soprattutto nel riprendere spunti e situazioni anticipati in passato fino a dargli un senso pienamente compiuto, simbolico. Un cerchio che si chiude: così coerente, per l’appunto, da sembrare girato per davvero back to back. E che conferma quanto, effettivamente, la Parte 1 non fosse che un lunghissimo prologo, un atto necessario per delineare il worldbuilding, un terreno di preparazione in attesa che il suo autore riversasse genio, stile e anima nella lunga e sofferta trasformazione di Paul Atreides in Muad’dib, plasmato da uno Chalamet perfetto e a tratti stupefacente.

Un film potente e visionario

Dune Parte 2 è unico anche perché mette in campo un’epica fantascientifica desueta, addirittura in controtendenza rispetto ai canoni del cinema commerciale. Si prende tutto il tempo necessario per costruire l’ascesa-discesa del suo protagonista, è tanto esasperato quanto ammaliante nel suo tono religioso. Demolisce, frammenta e poi riunisce le molteplici sottotrame. Lo fa sacrificando indubbiamente qualcosa: non concede moltissimo spazio ai comprimari, lascia solo qualche briciola alle moltissime (e iper prestigiose) comparse, ma delinea un cast di personaggi di assoluto valore e immenso spessore. Tra i quali, ancora una volta, spicca il peso delle figure femminili, guidate da una Rebecca Ferguson divina ed eterea, assurte a deus ex machina e perfettamente funzionali nella concezione biblica e mitologica del racconto e dei personaggi.

Forse serviva più tempo per gli antagonisti, un po’ sacrificati da un finale che mette in scena un conflitto che non ha il respiro delle grandi battaglie formato colossal. Anzi, per i canoni del genere potrebbe persino risultare frettoloso. Ma è tutto al posto giusto, perché rimane concreto. Fedele, anzi, al suo spirito anti-eroico e al messaggio finale dell’opera, ancora così tremendamente attuale e realista.

Questo Dune è un’opera le cui parti si completano perfettamente grazie alla maestosa potenza visionaria di Denis Villeneuve (non a caso ci sono diverse opere di fantascienza tra i film preferiti di Denis Villeneuve). Ancor più del suo predecessore, Parte 2 sfodera un’impalcatura visiva totalizzante, di una forza mistica e travolgente. Da guardare rigorosamente sullo schermo più grande possibile affinché il gigantismo della sua messinscena lasci davvero senza fiato. Perché il linguaggio cinematografico di Villeneuve colpisca con il suo tipico piglio autoriale, espressione di un’anti-epica che urla silenzio: è quando tutto si ferma, quando gli sconfinati orizzonti sabbiosi di Arrakis si stagliano sull’immensità del cosmo, che la calma di Dune diventa davvero assordante. Così tanto che quella sabbia la senti penetrarti le ossa, marchiarti a fuoco la pelle. E ti rimane addosso, ti resta dentro. È quello che ti lascia Dune, è quello che Dune regala al cinema.

Dune Parte 2 è tra i migliori film di fantascienza di sempre. Lima i difetti del primo capitolo ma ne rispetta canoni, toni e atmosfere con una coerenza impressionante, tanto da sembrare girato senza soluzione di continuità. Denis Villeneuve venera il romanzo di Frank Herbert con un amore filologico e non tradisce la sua idea di cinema, creando “il blockbuster che non è davvero un blockbuster”. Perché Dune 2 è un grande colossal per la sua immensa portata produttiva, ma rimane fedele allo stile autoriale del suo regista. Il quale, questa volta, bilancia meglio il ritmo del racconto con un’opera dal taglio indubbiamente più action, ma sempre concreta e senza fronzoli. Che riesce comunque a togliere il fiato per la sua potenza visionaria semplicemente fuori scala. Un film che è qui per restare, cristallizzato nell’Olimpo del cinema di genere.

Gabriele Laurino- cinema.everyeye.it

Recensione IGN Italia

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