Paolo

Gian Luca Pisacane – www.cinematografo.it

Curiosità

Roland Emmerich non è estraneo ai film catastrofici, avendo diretto film famosi come Independence Day, The Day After Tomorrow e 2012. Simile a quest’ultimo, la sua ultima impresa da regista, Moonfall, coinvolge una teoria del complotto, ma la verità su ciò che è veramente succedere nella trama del film è in realtà molto più strano. Scritto in collaborazione da Emmerich, Harald Kloser e Spenser Cohen, Moonfall è in parte un film catastrofico e in parte un dramma di fantascienza hardcore che a volte è elettrizzante, ma diventa più ridicolo e disordinato più a lungo va avanti.

Nel 2011, Jocinda (Halle Berry) e Brian (Patrick Wilson) sono astronauti della NASA la cui missione spaziale va storta dopo che uno strano sciame li attacca e distrugge la loro tecnologia. Successivamente, Brian viene accusato della missione fallita e della morte di un collega astronauta. Viene licenziato dalla NASA e, poiché nessuno crede a ciò che ha visto nello spazio, trascorre il prossimo decennio in disgrazia e lottando. Dieci anni dopo, gli scienziati della NASA scoprono che la luna è stata buttata fuori dalla sua orbita in qualche modo: un teorico della cospirazione della scoperta KC Houseman (John Bradley) era a conoscenza, ma ha lottato per convincere la gente ad ascoltarlo. Mentre la luna inizia ad avvicinarsi alla Terra, distruggendo e inondando intere città, Jocinda, Brian e KC vanno in missione per sconfiggere lo sciame spaziale e salvare il mondo dall’annientamento.

Moonfall ha momenti di puro intrattenimento, con fughe elettrizzanti ed elementi visivi spettacolari che rendono la catastrofe un aspetto terribile ed eccitante. I misteriosi elementi spaziali del film si aggiungono all’idea che gli esseri umani potrebbero non sapere tanto della vastità e della storia dello spazio come credono. Detto questo, la spiegazione data per lo spostamento della luna in orbita e la successiva caduta sulla Terra è incredibilmente priva di senso e sembra che non appartenga affatto al film. Moonfall è occasionalmente divertente, ma lo sarebbe stato molto di più se non avesse avuto la sensazione di prendersi così sul serio. Il dialogo è goffo e spesso così sciocco che la rigidità del procedimento spesso non corrisponde. E mentre la premessa principale del film è abbastanza semplice, Moonfall è disseminato di esposizioni non necessarie che appesantiscono l’azione. Emmerich avrebbe potuto utilizzare queste istanze invece per mostrare al pubblico cosa sta succedendo piuttosto che spiegarle.

Le relazioni tra personaggi che sembrano ricche di tensione e angoscia hanno a malapena il tempo di respirare, il che lascia la posta in gioco personale carente tranne che per il viaggio di un personaggio. Anche la parte posteriore del film è caotica, con l’azione divisa tra Brian, Jocinda e KC sulla loro missione spaziale e coloro che hanno lasciato sulla Terra, incluso il figlio di Brian Sonny (Charlie Plummer), il figlio di Jocinda Jimmy (Zayn Maloney), e la studentessa di scambio Michelle (Kelly Yu). Con così tanti intrighi sul lato lunare delle cose, la sottotrama che coinvolge quest’ultimo gruppo che cerca di mettersi in salvo in mezzo a un disastro mentre viene inseguito da personaggi armati di pistola è incredibilmente piatta al confronto. Rallenta anche lo slancio della missione spaziale e le scoperte che Brian, Jocinda e KC fanno alla loro fine, tutte molto più coinvolgenti.

In Independence Day, ai personaggi vengono fornite pochissime informazioni sugli attacchi degli alieni, ma Moonfall fa l’esatto contrario fornendo troppe informazioni sulla luna, come per giustificare la trama e preparare il terreno per un sequel. Tuttavia, la spiegazione eccessiva fa sembrare l’ultimo film di Emmerich come due film disparati: uno che si attacca ai tropi di base di un film catastrofico e un thriller di fantascienza hardcore che cerca di espandere i misteri che circondano l’universo e il ruolo degli umani in esso. Non ha la capacità di essere quest’ultimo, anche se fa del suo meglio per farlo accadere.

Detto questo, Moonfall non è affatto male. La fotografia di Robby Baumgartner è stupenda e la Terra, dallo spazio e sul pianeta stesso, sembra sbalorditiva. Gli effetti visivi – la formazione di un maremoto, la distruzione di una montagna, i terremoti che sconvolgono il suolo – si aggiungono all’intensità e al presentimento del film. La spiegazione della trama è così ridicola che è quasi divertente e la convinzione con cui gli attori, in particolare John Bradley, che porta leggerezza in ogni situazione, affermano che le loro battute faranno credere a chiunque la gravità di ciò che sta succedendo. Se non altro, Emmerich sa certamente come creare catastrofi fornendo un senso di speranza nonostante tutto. Ciò salva Moonfall dall’essere disordinato? No, ma sicuramente alcuni lo troveranno divertente a prescindere.

 www.asiaticafilmmediale.it

SPENCER – RECENSIONE: SOFFOCATI DA UNA COLLANA DI PERLE – VENEZIA 2021

C’è una famosa intervista fatta alla Principessa Diana e al Principe Carlo dove il giornalista pone una domanda abbastanza semplice per una coppia che si è appena fidanzata ufficialmente:

“Siete innamorati?”

Le due risposte però, in apparenza scontate, furono diverse e simbolo di quello che sarebbe stato il loro rapporto matrimoniale.  Se Lady Diana rispose prontamente dicendo di sì, Carlo sibilò un poco confortante “Qualsiasi cosa l’amore significhi”.

Il senso di desolazione, di vuoto interiore che una risposta simile può generare è stato trasposto su schermo perfettamente da Pablo Larraín con Spencer, il suo nuovo film che mette al centro proprio la persona – prima ancora del personaggio – della defunta principessa.

Esplicativa in tal senso la scelta del titolo che rimanda al cognome da nubile di Diana, in netto contrasto con Jackie, precedente lavoro di Larraín dove veniva messo in risalto il soprannome della First Lady di John Fitzgerald Kennedy.

Una presa di posizione che dichiara subito un aspetto predominante dell’ex Principessa del Galles: lei non si è mai sentita un membro della Corona. Durante il film viene spesso ripetuta la parola “perfetto”, indice di una tradizione reale che accompagna i residenti di Buckingham Palace da centinaia di anni.

Diana Spencer – anche se proveniva anche lei da una famiglia agiata e in ottimi rapporti con la Corona – rifiuta costantemente questo modo di vivere dove ogni cosa è decisa, dove il futuro è inesistente perché è già stato scritto nel presente. Larraín insiste molto sui dettagli della vita quotidiana all’interno del palazzo reale, come la squadra di chef organizzata come un esercito per poter esser pronti ad ogni evenienza o la scelta dell’abito prestabilito per ogni pasto.

Sebbene nei primi minuti si possa avere la sensazione di vedere un film ridondante, superato il primo atto si capisce perfettamente che il regista vuole farci vivere in prima persona l’angoscia della quotidianità di Lady Diana. Una routine logorante, atta a cambiare le abitudini e lo stile di vita della Principessa, per poter cancellare una volta per tutte quello Spencer simbolo di imperfezione. In una gabbia di cristallo, o meglio, come detto dalla stessa protagonista del film, sotto la lente di un microscopio si dipana quindi – citando la frase scritta prima dei titoli di testa – “Una favola tratta da una tragedia vera”.

Spencer diventa allora un dramma angosciante che sfiora a tratti il thriller psicologico, dove la grandiosa (c’era da stupirsi?) regia di Pablo Larraín costruisce sequenze asfissianti, inseguendo costantemente Diana in claustrofobici corridoi per poi soffermarsi spesso sul volto algido di un’anima che sta lentamente morendo; funzionale a tal proposito è la fotografia tutta giocata sui toni freddi.

Il viso, il fisico e l’immagine di Lady D. sono, all’interno del film, posti a un’attenzione mediatica senza pari – simbolico il non potersi cambiare con le tende aperte – da cui scaturisce la distruzione della sofferenza in ambito privato, deturpando anche di questo aspetto la madre di William e Henry. Tutto ciò non sarebbe possibile ovviamente se come attrice protagonista ci fosse stata un’interprete senza la fisicità e la bravura adatta.

Per fortuna Kristen Stewart ci regala quella che è probabilmente la miglior prova della sua carriera.
Grazie a una presenza scenica strabordante e alla capacità di creare malinconia solo attraverso uno sguardo, l’interpretazione della Stewart – che lavora benissimo per sottrazione – si adatta perfettamente al racconto, in un ballo con la morte, sulle note della colonna sonora ammaliante di Jonny Greenwood, che può rivelarsi liberatorio o tombale a seconda di come si è vissuto Spencer.

A Larraín non è mai interessato creare un biopic, anche se la storia segue la realtà, quanto creare un’opera in grado di far vivere allo spettatore tutta l’angoscia di una vita sulla carta da favola, dove i pochi sprazzi di luce all’interno del film – vedasi quasi tutti i momenti con William e Henry – commuovono istantaneamente.

Forse perché sono perfetti nella loro normalità.

 Emanuele Antolini – www.cinefacts.it

Riconoscimenti

LUNANA: la felicità nelle piccole cose

Non sorprende che Lunana fosse candidato agli Oscar 2022 per la categoria Miglior film internazionale. La sua forza visiva è prorompente, così come il modo con il quale le tematiche vengono affrontate: ponendo l’attenzione sul dettaglio.
Lunana è ambientato nel Buthan, luogo in cui vive il protagonista Ugyen. L’uomo è un’insegnante che viene trasferito in un paesino protetto dalle montagne per permettere ai bambini del posto di imparare a destreggiarsi tra inglese, matematica e canto.
Abituato alle comodità di una città moderna, dovrà reinventare il suo modo di insegnare.

“Un giovane insegnante del Bhutan moderno, Ugyen, si sottrae ai suoi doveri mentre progetta di andare in Australia per diventare un cantante. Come rimprovero, i suoi superiori lo inviano nella scuola più remota del mondo, nel villaggio di Lunana a 4.800 metri di quota. L’obiettivo è completare il suo periodo di servizio. Dopo un cammino di 8 giorni, Ugyen si ritrova esiliato dalle sue comodità. A Lunana non c’è elettricità, né libri di testo e nemmeno una lavagna. Sebbene poveri, gli abitanti del villaggio porgono un caloroso benvenuto al loro nuovo insegnante. Quest’ultimo deve affrontare il difficile compito di insegnare ai bambini del villaggio senza alcuno strumento didattico a disposizione.“

Meno parole e più fatti. Una sceneggiatura minimalista ma efficace è quella che caratterizza Lunana, di cui vi proponiamo la recensione. Nel film si tende a dare maggior rilievo alle sfumature, alla bellezza delle ambientazioni e agli approcci tra i personaggi stessi. Il tutto lo si percepisce – sempre più chiaramente nel corso di Lunana – attraverso le immagini e le scelte di regia volte a dare spessore ai suoi protagonisti e al loro modo di vivere emozioni come la felicità; una felicità che a Lunana è data dalle piccole cose. Ciò non significa necessariamente accontentarsi, ma gioire di tutto quello che il creato ha donato loro.

La profondità con cui Pawo Choyning Dorji affronta la storia ha fatto il lavoro più grande. Il regista ha raccontato un mondo lontano dalla nostra realtà e allo stesso tempo così affascinante. Pare di tornare indietro nel tempo, quando i cellulari erano solo un’utopia. Nessuna comunicazione è facile, nemmeno quando si tratta di interazioni face to face. Il regista pone l’accento sulla spiritualità e felicità intrinseca che sembra governare gli abitanti del paesino di Lunana; un luogo in cui al centro di tutto c’è la gratitudine: verso il maestro, la natura e le cose belle del mondo.

È un aspetto che emerge sin dalle prime scene, quando il protagonista deve percorrere un lungo sentiero nel bosco per arrivare alla sua nuova meta. Già in questa circostanza Ugyen è costretto a rinunciare alla linea telefonica e riscontra i primi problemi con l’elettricità. Dall’altra parte, i suoi accompagnatori sono perfettamente a loro agio e si godono i suoni e le meraviglie dell’ambiente circostante: dai versi degli uccelli alla presenza di piante particolari. È un mondo che gli abitanti del posto hanno imparato ad apprezzare sino in fondo, tanto che la loro conoscenza in tal senso è impeccabile. Nel frattempo però il protagonista ascolta la musica con le cuffie invece di ammirare il panorama e ciò che l’Universo gli sta offrendo.

Quello che capiamo riguarda qualcosa di più complesso: cosa ci stiamo perdendo? In un mondo in cui telefoni, comfort e social la fanno da padrone, la bellezza della natura e i rapporti con gli altri hanno assunto una valenza diversa, meno importante. Lunana ci ricorda che si può essere felici vivendo a pieno ritmo la realtà e lasciando da parte le cose materiali; un sorriso, una voce, un suono possono regalarci tutto ciò di cui realmente abbiamo bisogno: emozioni. Non servono le comodità per stare bene, ma come si fa ad abituarsi al nulla quando hai avuto tutto? Altro dilemma esistenziale che porterà il nostro maestro ad avere dei forti dubbi sulla sua permanenza a Lunana. Eppure Ugyen si renderà conto di avere già tutto quello di cui ha bisogno: l’insegnamento, l’amicizia e l’amore, in particolare verso i bambini, anche se non mancherà un piccola parentesi amorosa.

La storia si svolge nell’arco di tre mesi circa, prima dell’arrivo dell’inverno che renderà Lunana un paesino completamente innevato. Sono giorni in cui abitanti e maestro impareranno ad apprezzarsi l’uno l’altro, portando Ugyen a cambiare prospettiva sulla situazione; un cambio di direzione reso molto bene nella pellicola, soprattutto grazie a una determinata scena e al confronto – verrà automatico – di quest’ultima con un momento precedente.

Di tutto quello che il regista ci mostra, ciò che rimane più vivo nella memoria di chi guarda è la fiducia e la gioia con cui il popolo del luogo ha accolto il maestro. Perché gli abitanti sanno che la vita al di fuori di Lunana e delle cittadine limitrofe è molto differente dalla loro, eppure nessuno sembra intenzionato a lasciare la propria casa per conoscere il diverso. Alla fine dei conti, quindi, possiamo dire che, trattandosi di due stili di vita differenti, con abitudini altrettanto diverse, ognuno è a suo agio nel proprio ambiente, fermo restando che tutto il mondo è Paese: problemi di stampo più generale, come l’alcolismo, riguardano anche Lunana.

D’altronde vi avevamo già anticipato nella recensione di Lunana che Pawo Choyning Dorji ha affrontato varie tematiche importanti. Talvolta i temi vengono solo accennati, anche per farci capire che ogni realtà ha i suoi pro e contro; altre volte approfonditi. Tutte le problematiche sono messe a fuoco con estrema eleganza e delicatezza, due elementi rafforzati dalla scelta dei brani musicali.

Così la vera ricchezza di Lunana sta nell’insieme, e uno degli ingredienti principali è l’interpretazione dei suoi protagonisti. Il peso maggiore, insieme a una regia caratterizzata dai movimenti di macchina lenti e inquadrature sopraffine, è lasciato alla forza espressiva di Ugyen Norbu Lhendup, il maestro. L’attore esprime le diverse emozioni – dall’angoscia alla gioia – che attraversano il suo personaggio con una certa compostezza, affidandosi a una mimica facciale minimalista quanto la sceneggiatura ma altrettanto proficua.

Rosanna Donato – orgoglionerd.it

Riconoscimenti

Tra Due Mondi e la dimensione sociale ed emotiva nel film di Emmanuel Carrère

Desta sempre curiosità quando un intellettuale sfrutta canali alternativi a quelli che gli son più congeniali per dare enfasi a quanto racconta. È questo probabilmente il motivo di maggior interesse di Tra due mondi, il nuovo film di Emmanuel Carrère che, a dire il vero, è ben più noto per la sua attività letteraria. Alla sua terza regia, Carrère adatta per lo schermo il romanzo-inchiesta di Florence Aubenas La scatola rossa (edito in Italia da Piemme). Più di un decennio fa, Aubenas si fece assumere, sotto mentite spoglie, come donna delle pulizie sui traghetti che attraversano la Manica per indagare sulle condizioni lavorative di chi vi operava. Ne emerse un best-seller che fece luce su una situazione penosa, oggi finalmente trasposta sullo schermo in tutta la sua drammaticità.

La protagonista Marianne (Juliette Binoche) è una scrittrice affermata che, per il suo libro successivo, prende la decisione radicale di presentarsi all’ufficio di collocamento, senza dichiarare la sua identità e facendosi così assumere come donna delle pulizie sul traghetto della Manica. Lavorare lassù sarà l’occasione per conoscere i ritmi massacranti di un’attività estenuante e umiliante, ma sarà al contempo motivo di incontro con la più alta e pura solidarietà femminile, che mai conosce confini. A volere ardentemente questa pellicola è stata in origine la leggendaria Juliette Binoche, unica attrice ad aver vinto l’Oscar e i premi per la miglior interpretazione femminile a Venezia, Cannes e Berlino. Son passati più di dieci anni dalla pubblicazione del libro-inchiesta, ma lei ha tenacemente resistito alle ritrosie della Aubenas a concederle i diritti, finché la scrittrice non ha accettato, auspicando tuttavia fosse il collega Carrère a dirigerne l’adattamento.

Pur con l’impiego di attori non professionisti a fianco della Binoche, nasce dunque un film che, nella poetica del regista, non vuole essere strettamente documentaristico, ma volto altresì a indagare le emozioni di chi si muove sulla scena. La scelta di rendere Marianne una scrittrice più che una giornalista è anch’essa motivata dall’esigenza di Carrère di sentire il personaggio più vicino a se stesso e al suo modo di raccontare. Tra i punti di interesse de Tra due mondi figura la necessità di dare voce a chi non la ha. Il film, come il recente Parigi, tutto in una notte, cerca perlappunto di rendere manifesto (o perlomeno possibile) un incontro tra il mondo che Marianne abitualmente frequenta e quello in cui, con coraggio, decide di installarsi. Sono due realtà che coesistono (anche a bordo dello stesso traghetto), ma che spesso si ignorano del tutto: da un lato c’è chi ha il privilegio di potersi dedicare ad un mestiere intellettuale, dall’altro c’è chi deve accettare un lavoro massacrante e malretribuito, perché impossibilitato a far altro.

Ma accanto alla vocazione sociale della pellicola che la avvicina al cinema di Loach, Cantet e Brizé, non è meno importante la dimensione emotiva che Carrère è interessato a rappresentare. Se infatti inevitabile sarà per Marianne instaurare dei rapporti di vera sorellanza con le colleghe, altrettanto vibrante e complessa dovrà essere la tensione creata dal non poter mostrarsi del tutto trasparente rispetto alla sua missione e alla sua identità. Vale la pena in ultimo registrare quanto la produzione francese più recente si stia tanto focalizzando su tematiche sociali, testimonianza di una sentita necessità da parte della cultura di farsi portavoce del forte disagio della società francese meno abbiente. Se il cinema si conferma dunque un perfetto narratore dei nostri tempi, è parimenti doveroso porre l’attenzione sui segnali che sta al momento lanciando al suo pubblico.

Adam Olivo – hotcorn.com

Egitto: basta il nome di questo paese per evocare sensazioni stupende, come il caldo della sabbia bianca che ti sfiora la pelle, il tramonto rosso che si riflette sull’acqua calma e limpida del Nilo, il verde acceso delle palme incastonato in un letto di sabbia d’oro, e infine le tre piramidi, che si ergono davanti alla Sfinge sorniona che ti domanda silenziosa “chi sei?“.

È in questo scenario di metà secolo che Hercule Poirot si trova: il più grande detective francese della storia, in bianco lino sorseggia un caffè proprio di fronte alla madre di tutte le enigmiste – appunto la Sfinge – domandandosi probabilmente se sarà in grado o meno di risolvere il mistero che avvolge ed affascina tutte le persone che hanno incontrato la fiera di pietra, secolo dopo secolo, da quando è stata costruita. Le vicende che Poirot andrà ad affrontare in questo nuovo e travolgente caso, sono ad onor del vero tra le più contorte ed efferate che l’intelligente criminologo abbia mai affrontato. Mettetevi comodi e godetevi la recensione, il viaggio e non sarà sereno, ve lo garantisco, del resto parliamo di Assassinio sul Nilo, non ci sarà troppo spazio per i festeggiamenti… o forse si?

L’acqua cristallina del Nilo invita il taciturno Hercule Poirot a salire a bordo della Karnak, un bianchissimo e solidissimo battello a vapore da fiume, tipico dell’anno in cui si trova il detective, il 1947. Gli anni delle due guerre sono passati – con l’ultima da poco tempo – ma l’integerrimo Poirot è rimasto l’uomo d’arme che era un tempo: guardingo, osservatore per eccellenza, al punto che rivaleggerebbe con il falco più abile di Ramses in persona, orgoglioso della sua intelligenza e del tutto permaloso se lo si provoca.

Il francese dall’aria non più tanto atletica è presente a bordo del battello sotto invito della coppia di sposi Linnet Doyle (Gal Gadot) ed il neo marito Simon Doyle (Armie Hammer). La facoltosa coppia di sposi in luna di miele chiede al criminologo di accompagnare loro e diversi tra amici e parenti lungo una visita sul famoso Nilo.

A tormentare la giovane coppia c’è la vecchia fiamma del neo maritino Simon Doyle, ovvero Jacqueline De Bellafort (Emma Mackey) tra l’altro ex-amica di Linnet, che sembra seguire ovunque i due innamorati senza lasciare che abbiano tregua.

A fare da cicerone in questa intricata situazione a bordo c’è anche un ottimo amico di Poirot ovvero Bouc (Tom Bateman) che spiega al nostro eroe tutti i segreti ed i dettagli delle relazioni che coinvolgono amici e parenti della coppia. Sebbene il caldo dell’Egitto rilassi gli animi e tutto sembra procedere per il meglio, durante la notte viene consumato un omicidio, ed è allora che Poirot entra in gioco: il coccodrillo è stato svegliato ed è suo compito scoprire chi si cela dietro al delitto.

Kenneth Branagh nei panni di regista e protagonista di questo spettacolare giallo firmato Agatha Christie è semplicemente sublime: descrive in maniera maniacale l’opulenza dell’Egitto con inquadrature sempre pulite, mai banali ed una fotografia da incorniciare. È sensazionale anche come attore ovviamente, permettendoci di scoprire il protagonista strato dopo strato, a piccole dosi, celando vizi, desideri, ansie e paure dietro enormi baffi, sebbene non bisogna mai farsi ingannare dalla tranquillità di un coccodrillo, perché scatterà in un lampo e sarà pronto a mordere chiunque, perfino gli amici.

Il film è una fotografia di un’epoca passata, vibrante con una colonna sonora azzeccatissima capace di trasportare lo spettatore immediatamente nel 1947, facendo sentire il blues ed il jazz sotto la pelle, rivelando l’anima nera della musica “contemporanea”, scoprendo amori segreti ed appena sussurrati e perfino “proibiti” (per l’epoca, si intende).

Una sequenza di domande, vicissitudini e drammi esistenziali che mettono davvero a dura prova tanto il detective quanto lo spettatore che, con una certa dose di attenzione e di malizia, potrebbe mettere insieme i pezzi del puzzle arrivando alla giusta conclusione – ovvero scoprire chi è l’assassino – anche prima del nostro eroe, ma anche intuire quali sono i motivi che lo hanno spinto a compiere un tale gesto.

Forse c’è stata qualche leggerissima sbavatura nella ricostruzione finale degli eventi da parte di Poirot e, senza dubbio, anche la stessa sequenza finale potrebbe non essere del tutto identica e fedele all’opera letteraria. In questo però non ce la sentiamo minimamente di punire il regista e/o gli sceneggiatori per dei piccoli cambiamenti, insignificanti ai fini della trama e che non influisce nella valutazione finale di recensione: sarete stregati dall’innegabile cura dei dettagli che Assassinio sul Nilo vi metterà di fronte. Impossibile ad esempio non notare i baffi di Poirot, disegnati come le ali di uno scarabeo egizio. Due ore e sette minuti di perfetta ricostruzione storica degli abiti, ma con un pizzico di modernità che rende il tutto fluente come le sinuose curve del fiume su cui si svolgono i fatti.

Assassinio sul Nilo è un giallo senza tempo, come d’altronde il paese in cui si svolgono i fatti: l’Egitto. Brillante, vibrante e mai scontato, il film di Kenneth Branagh (che oltre essere il regista di questa opera è anche l’attore principale) dà vita ad uno straordinario Hercule Poirot, vivido e profondo al punto che possiamo scorgere della fragilità in quello che sulla carta è sempre sembrato un uomo di ferro. La pellicola vi terrà compagnia per due ore e poco più, sebbene vorreste non alzarvi mai dalla sedia per quanto vi sembrerà davvero di essere nel 1947 e passeggiare sulle rive di un azzurro Nilo. Non fatevi però ingannare dal verde delle palme e dall’oro della sabbia: presto si tingerà tutto di rosso ed il detective avrà pane per i suoi denti.

Tiziano Sbrozzi– www.gamelegends.it

Cyrano è la trasposizione cinematografica della variazione musical della celebre commedia teatrale di Edmond Rostand. Il film porta la firma di Joe Wright, che ha portato sul grande schermo lo spettacolo di Erica Schmidt, e ha come protagonista, nei panni del burbero spadaccino, Peter Dinklage. Presentato in anteprima mondiale al Telluride Film Festival, Cyrano è in concorso alla Festa del Cinema di Roma. Uscirà nelle sale italiane il 22 gennaio 2022.

Cosa aggiungere potrebbe un narratore
a quanto già narrato dall’attore;
a me non resta altro che sparire,
fare un bell’inchino e poi svanire.
Come Cyrano che confessa e muore
ai piedi del suo grande eterno amore,
anch’io finito il mio cammino
mi accascio e vado verso il mio destino,
che è quello di chi inizia e già finisce,
sboccia e dopo un attimo appassisce,
di chi vive soltanto un paio d’ore,
sperando in un applauso e dopo muore.

In pochi non riusciranno ad associare a queste righe in rima baciata il monologo finale di Aldo in Chiedimi se sono felice. In fondo è merito anche dello struggente finale della trilogia originale di Aldo, Giovanni e Giacomo se il Cyrano de Bergerac fa così parte del nostro immaginario. Eppure il loro meta-teatro non era la prima volta che l’ossessione per lo spadaccino cercava di farsi cinema.

Dai primi esperimenti nel 1900 e nel 1908, fino al ben più noto Cyrano de Bergerac del 1990, che valse a Gerard Depardieu una nomination come migliore attore protagonista agli Oscar, sono numerosi i tentativi di trasformare in film il dramma d’amore di Cyrano. Ad oggi, probabilmente, il film-musical di Joe Wright rappresenta la migliore versione cinematografica di quest’opera immortale.

Il regista di The Darkest Hour torna per l’occasione alle radici del suo cinema, rivisitando il genere del dramma in costume pur raccogliendo tutta la sapienza e l’esperienza maturata nei sedici anni che lo separano da Orgoglio e pregiudizio. E in effetti la sua regia è l’ingrediente che rende possibile una formula davvero vincente.

Joe Wright direttore d’orchestra per Cyrano
Cyrano è uno di quei film in cui si avverte lo sforzo registico di armonizzare ogni elemento e ogni componente, perseguendo una visione che si costruisce dispiegando ogni possibile forza artistica. L’opening del film ne è un saggio magistrale. Il cinema si fa teatro, in una vera e propria ouverture dove la Commedia torna al suo luogo originale. La direzione della brulicante massa attoriale dà vita ad una perfetta coreografia che si fa specchio di tutte le contraddizioni insite nella mondanità parigina pre-rivoluzionaria.

Così i palchetti superiori vengono abitati da duchi e conti, dipinti in tutta la loro esecrabile ripugnanza dai soli trucchi e costumi. La platea si agita sotto di loro, pronta ad assistere allo spettacolo di un attorucolo di bassa lega. E con un singolo movimento di macchina, un ampio dolly a salire, Cyrano fa la sua comparsa, pronto a sfidarlo e a squalificarlo dal mondo del teatro, così offeso dalla sua presenza.

Manca solo il primo, magico, incontro tra Roxanne e Christiane, che Wright orchestra incastonando qualche campo e controcampo di sguardi nel numero musicale iniziale. È una sequenza praticamente perfetta, che si articola come un unico, precisissimo gesto. Wright ha davvero la bacchetta di un maestro in questo film, che come una partitura ha bisogno di qualcuno che la guidi per prendere vita. Ed è dalla partitura musicale che Cyrano non può prescindere, e che anzi rappresenta un suo punto di partenza essenziale.

Il musical di Erica Schimdt e il film di Joe Wright
Moglie di Peter Dinklage, direttrice del prestigioso New York Theatre, è lei l’autrice del musical ispirato alle vicende di Cyrano. Il punto di partenza sono quindi le musiche per questo allestimento off-broadway, ricche di momenti di buona inventiva e, soprattutto, di una solida drammaturgia musicale. Pur non essendo sostenute nel film da performance vocali sempre all’altezza, creano una struttura portante molto funzionale alla narrazione. L’utilizzo dei reprise di alcuni brani chiave funge da collante emotivo, lega le caratterizzazioni dei personaggi e le espande attraverso la musica.

A Joe Wright quindi non può essere riconosciuto nessun merito, in questo ambito, se non di aver scelto una partitura di buona fattura e di averla saputa rispettare e adattare. Gli equilibri del cinema sono diversi da quelli del teatro, e molti musical falliscono dove manca la proporzione tra i numeri musicali e le scene. Cyrano trova invece una quadratura davvero perfetta, in cui le parentesi musicali non si rendono mai invadenti ma, al contrario, sorreggono la forma.

La loro inserzione non è mai banalizzata, e ogni innesto è anticipato da arrangiamenti strumentali che svelano una certa raffinatezza nel leggere e interpretare musicalmente la corte e gli eroi della Francia del diciassettesimo secolo. Un mondo sfarzoso e paradossale, bersaglio prediletto dal poeta e spadaccino, sempre pronto a sbeffeggiarlo con prodezze linguistiche estreme, e all’occorrenza di spingersi più in là con qualche fendente ben assestato.

L’assolo di Peter Dinklage
L’attore è perfetto per il ruolo, andando a sostituire al proverbiale naso che pare modellato con lo stucco la sua fisicità così unica. Una fisicità non nascosta, anzi esasperata. Degni di lode il regista e il direttore della fotografia, che tra inquadrature soggettive e oggettive trovano sempre la misura ideale per restituire la singolarità di Dinklage, e trasformare la scena intorno a lui attraverso la macchina da presa.

Non è però alla sua sola statura che si riduce il suo ruolo; al contrario, è soprattutto nel suo controllo dell’espressione mimica e vocale che il Cyrano, beffardo canzonatore, prende forma. Dinklage si conferma un attore capace di trovare sempre una dimensione naturale all’interno del ruolo che veste, lo spazio necessario per una prova che si fa espressione di tutte le sue migliori qualità. E anche se tra queste non rientra il canto, in Cyrano troviamo davvero una performance che meriterà, probabilmente più di un riconoscimento.
La sua recitazione è talmente naturale e trasparente da non oscurare i comprimari del triangolo d’amore. Le prove di Haley Bennett e Kelvin Harrison Jr. non brillano della stessa intensità di Dinklage, eppure il sistema dei personaggi è perfettamente in equilibrio. C’è una grande sinergia quindi anche tra i tre protagonisti, che dà vita a potenti sferzate emotive e momenti di grande cinema.

Cyrano è uno dei film della stagione
E poiché il destino è scritto in nel cammino di chi inizia e già finisce, l’ultimo appassionato slancio di Cyrano si chiude in ciò che meno di tutti assomiglia ad un palcoscenico, ed è per questo più teatro di tutti i possibili. Un teatro senza fondale, senza sipario, senza il formicolare del pubblico. Un teatro di sola architettura e luce, dove i due protagonisti trovano lo spazio ideale per la confessione di Cyrano.

Sono i titoli di coda a fare da sipario, lasciandoci con la certezza di aver assistito ad un piccolo miracolo. Uno dei film della stagione è l’eterna ed ineluttabile parabola di un ardente spirito romantico. Un classico che si rinnova continuamente, e che nel film di Joe Wright ha trovato una delle sue massime espressioni.

Leonardo Di Nino – www.lascimmiapensa.com

Catherine Corsini torna in concorso a Cannes esattamente 20 anni dopo La repetition (nel 2012 Trois Mondes andò in Un Certain Regard).

Lo fa con La fracture, titolo che a dispetto di un incipit declinato sul versante della “classica” commedia romantica francese, trasforma la sua natura fortemente simbolica per rinchiuderci all’interno di un pronto soccorso parigino.

La prima frattura è quella tra Raf (Valéria Bruni Tedeschi) e Julie (Marina Foïs), coppia sull’orlo della rottura. La seconda è quella occorsa in modo accidentale al gomito della prima. La terza, la più violenta, è quella tra lo Stato e i suoi cittadini.

Sì, perché nel pronto soccorso dove finirà Raf (e dove poco dopo la raggiungerà la compagna) ci andrà a finire anche Yann (Pio Marmaï), camionista giunto appositamente a Parigi per unirsi alla manifestazione dei gilet gialli contro il governo.

L’incontro tra i due, tra la borghesia intellettuale, radical chic e le istanze proletarie di chi, ferito e arrabbiato, è stato colpito dai poliziotti, frantumerà qualsiasi certezza e qualsiasi pregiudizio. Intanto, fuori dall’ospedale, gli scontri si fanno ancora più violenti. Fino ad irrompere anche lì, generando ulteriore caos.

Di sicuro schierato, il film scritto e diretto dalla regista francese ha il grande merito di svelare la propria tesi lungo il percorso, di fatto costruendo un dramma di forte impegno politico e civile – senza dimenticare l’abnegazione e le fatiche improbe di un corpo sanitario allo stremo delle forze e chiamato a far fronte a qualsiasi tipo di emergenza (tra tutti, lo sguardo della Corsini si poggia con maggior profondità su un’infermiera, Kim, interpretata da Aissatou Diallo Sagna), immortalato in epoca pre-Covid – ma sfruttando al massimo le potenzialità da commedia “nevrotica” che un’attrice come Valeria Bruni Tedeschi sa sempre restituire con naturalezza sconvolgente.

È proprio in questa continua altalena tra registri che La fracture trova la sua migliore ragion d’essere, con impennate di tensione smorzate di colpo da situazioni quasi debitrici della comicità slapstick (la Bruni Tedeschi che in almeno un paio di circostanze cade dalla brandina), altalena che tiene in piedi un assunto rimarchevole e che funziona anche grazie ad un cast ottimamente assortito.

Valerio Sammarco – www.cinematografo.it